28 de Abril.- Dredg "El Cielo" 2002

La pintura puede (y debe, según algunos dedicados al oficio) estar acompañada de música, puesto que ambos son actos de creación. Este disco es uno de los mejores que he escuchado en mi vida, de cualquier género y cualquier tiempo. Es una obra maestra envolvente y muy bien hecha y, cosa rara, maquilada por estadounidenses. dredg (el nombre de la banda es en minúsculas según los mismos miembros) es una banda oriunda de un poblado llamado Los Gatos, California, formada por Gavin Hayes (Voz), Mark Engles (Guitarra), Drew Roulette (Bajo) y Dino Campanella (Bateria, Piano) y se dieron a conocer en 1999 con un disco llamado “Leitmotif” que tuvo una aceptación grande en los circuitos que ahora se conocen como “hipsters”. Todo eso cambió con este su segundo disco “El Cielo”, que obtuvo un reconocimiento prácticamente universal.

Y no es para menos, esta obra conceptual, inspirada en la pintura “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar”del maestro Salvador Dalí. Que los llevó a adentrarse en el tema plasmado en la pintura, “la paralisis de sueño”, un fenómeno profundo y alucinante. Una condición muscular producida por la atonía que una persona tiene cuando duerme, causando alucinaciones, la sensación de estar despierto y que de forma ignorante, la gente explica que “les sube el muerto”.

El tema del álbum, su objetivo, era, como ya lo expliqué, el musicalizar la pintura hecha por el maestro (si eso fuera posible), y musicalizar lo vivido en el oleo. Se lee fumadisimo y ambicioso, pero el resultado es un trabajo deslumbrante, con letras poético-crípticas abarcando temas como la vida, la angustia, la anarquía y el cambio, mientras una voz interior nos advierte que todo es un sueño del que no puede despertar.

Los temas son dieciséis y abarcan todo tipo de música y estilo, haciendo de todo esto un viaje enorme: en un segundo estás en una playa y la luz te cega, y al otro estás en lo profundo de una cueva, en el desierto africano. Rock, psicodelia, violines, oscuridad y destellos mantienen una espontaneidad y energía que agrega al sentimiento del 'sueño' que experimentamos. Así como las “pinceladas” ('Brushstrokes’, que en este disco metafóricamente representan interludios) son una técnica tan sutil y hermosa de la pintura que en su ambiguedad nos obligan a imaginar y crear en nuestra mente ese mundo soñado.
De una forma metódica e insulsa, hice una pequeña radiografía canción por canción…

-“Brushtroke: Debtfoabaaposba” abre el disco, sus extrañas iniciales obedecen al título en inglés de la referida obra realizada por Dalí. Se escucha la preparación de los utensilios de pintura y las referidas pinceladas, corta abruptamente para oír un bajo rítmico suave y la voz ultrasensorial de Gavin, que es el inicio de…

-“Same Ol’ Road”, donde el viaje comienza, y el título se refiere a esa familiar etapa donde se inicia un viaje, en este caso la pintura. La guitarra acrobática de Mark Engles, la fluidez de la batería de Dino Campanella combinados con esa letra salida del corazón que expresa el epítome y gracia de la satisfacción humana, que no es compleja: “todo lo que necesitas es una modesta casa / en un modesto barrio / En un honesto pueblo habitado por gente honesta”. Después de casi diez años de escuchar esto, me sigue dando un escalofrío en la piel…

-Y eso no es todo, pegado a ella sigue “Sanzen”, una canción cambiante, de subibajas, un viaje a diferentes sectores de la Vía Láctea. El riff que predomina es dinámico, la batería prendida, y la voz… la voz tiene un grado elevado de compromiso con las emociones desplegadas, cantando un estribillo lleno de esperanza. Es hermoso como cae y vuelve a subir. Un deleite.

-“Brushstroke: New Heart Shadow”: Es el primer interludio, y tiene una base muy pegajosa e impecable, con el toque post rockero por parte de nuestro guitarrista. Corta y al pie.

-“Triangle”: Es la mejor del disco. Su inicio ambiental me hace imaginar que la pintura se mueve, que hay atardeceres bellos, que el sol da esperanza; se convierte en una voz en el desierto, en una oda al dolor, las paradojas y al sentido que nos lleva estar viviendo en este tipo de sociedad capitalista, cantando de manera macabra, verdades irrefutables como: “No es imposible para las flores crecer y desarrollarse al lado de las tumbas / y bebés nacen en edificios donde la gente acude a morir”; ó: “Vamos a protestar la forma en que somos pasivos hoy en día”; y: “Somos como pingüinos en el desierto, ¿por qué no podemos vivir como tribus?”. En mi opinión es la mejor.

“Sorry But It’s Over”: Es una canción de mucha actitud, un razonamiento sobre mantener la cordura ante la seducción por destrucción. De nuevo la guitarra tiene un papel sobresaliente. Una canción de rock promedio.

“Convalescent”: Esta canción tiene aún mas actitud que la anterior, pero una estructura normal. El mejor detalle de esto, es que habla sobre la empatía: describe a un viejo hombre dependiente de su silla de ruedas, y después lanza que quizá uno no lo ha visto, y que pasando por eso es la única de entenderlo…

“Brushstroke: Walk in The Park”: Es nuestro segundo interludio. Una pieza instrumental de una gran belleza y oscuridad por igual. El piano y las cuerdas como estelares. A nivel metafórico, esta canción es la frontera que divide el momento entre el boceto de nuestro cuadro, y los detalles surrealistas de este. Lo siguiente será tripeante…

“Eighteen People Living in Harmony”: La voz empieza a usar efecto de forma mas notoria, el ritmo es muy movido, de esos que en vivo alentan al desmadre entre las masas, y, de una forma sutil, el cello acompaña los compases llenos de una batería furiosa. Al final de la canción está la confirmación de la frontera que ya describí.

“Scissor Lock”: Empieza el trip, la médula del álbum. Las menciones a las abejas y a “jugar como niños mientras estamos paralizados mientras dormimos” lo confirman. Un punto a notar de esta canción es que de vez en vez escuchas fragmentos de grabaciones realizadas por personas que sufrieron parálisis del sueño.

“Brushtroke: Reprise”: La sensación de deja vu que deja al escuchar de nueva cuenta el estribillo de “Same Ol´Road”, mientras, sin notarlo, se apodera de la escena una guitarra acústica que, en mi opinión, refleja que no todo en la vida se vive dos veces, la batería entra simple y sigue…

“Of The Room”: La crónica (con realismo mágico incluido) de una cena romántica en medio de una noche de bosque inclemente. La batería es perfecta, el bajo igual, ambos tocando por nota. La guitarra hace un riff continuo, esquivando olas, estrellas y nubes. Esto en vivo sería la gloria…

“An Elephant in The Delta Waves”: Una onda delta es una oscilación del rango de frecuencia que ocurre en el cerebro en las etapas del sueño profundo. ¿Ahora ves la conexión? Esta canción desentona con el resto del disco, pero no en mala forma. Es muy surrealista y te trae a la cabeza los momentos en que viste por el Animal Planet a una parvada de elefantes cruzar galantemente la sabana africana…

“It Only Took a Day” y “Whoa Is Me”, son las clásicas rolas de rock semipesado, que en vivo te ponen a modo para las estelares. La forma en que ambas se “quiebran” y “recuperan” es meritoria.

Cierra el disco “The Canyon Behind Her” ¡y qué forma de cerrar! La voz en japonés te envía lejos, combinado con ese piano para hacerte oscilar entre los dos hemisferio de tu cerebro sin que tu lo notes. La canción mas sentimental entre el sentimiento. Es épica y magistral, terminando con un una especie de coro religioso de una riqueza incalculable.

Este disco reboza de creatividad, de emociones, de vida. El concepto no era nada fácil, la obra de Dalí no es fácil, pero dredg supo canalizar esa inspiración en uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La voz de Gavin Hayes es el detalle que se lleva este disco: parece que está a punto de morir (¿o despertar?) al momento en que finalice el disco. La batería sobresale de igual forma, Campanella, sin ser un dotado, le imprime a las canciones ese “feeling” que termina por darnos en la torre. Escucha obligatoria y recomendable llorar…

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