HARMONIUM - Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison (1975)

HARMONIUM
Album:Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison (1975)
Genero: Prog Folk
Pais: Canada

1. Vert (5:34) / 2. Dixie (3:26) / 3. Depuis L'Automne (10:25) / 4. En Pleine Face (4:51) / 5. Histoires Sans Paroles (17:12)

Seguramente has oído alguna vez hablar del Harmonio, un instrumento musical semejante al órgano. Pero es probable que nunca hayas oído sobre Harmonium, una banda de prog folk canadiense de los años 70 muy influyente en su país de origen. Su segundo disco Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison en inglés significa "If We Needed A Fifth Season" y en español "Si Necesitáramos Una Quinta Estación", o más bien "Si Hubiésemos Necesitado Una Quinta Estación En El Año". Sea como sea su traducción, es una de las obras más espectaculares que el rock progresivo conoció jamás.

Sin ser un experto en este género, incluso si no eres rockero ni nada, puedes perfectamente amar este disco. Pues es una obra sumamente melódica, acústica, delicada, pulida y sobre todo, escuchable y entretenida.

El título del disco hace alusión a un concepto un tanto extraño. El año tiene cuatro estaciones (Vert, Dixie, Depuis L'Automne y En Pleine Face) más la quinta estación que los de Harmonium le agregan (Histoires Sans Paroles, en español, 'Cuentos/Historias Sin Palabras'). Las canciones más alegres son las que representan a la primavera y al verano (las dos primeras), las dos siguientes aluden al otoño y al invierno y la última es la quinta estación.

Una de las características de “Si On Avait...” es su fragilidad, parece hecho de porcelana o diamante (en otras palabras, es una joya). También es sumamente tranquilo. No hay solos de guitarra eléctrica, no hay solos de batería (bueno, casi no hay baterías).
A lo largo de los 41 minutos de duración del CD, se encargan de rodearnos de aires sumamente limpios y con muchas emociones de por medio, donde las guitarras acústicas, los pianos, clarinetes, flautas, sintetizadores, el bajo, las extraordinarias y delicadísimas performances vocales y todo lo demás se unen para crear melodías grandiosas y pasajes instrumentales que nadie debe perderse.

El principal problema que le encuentro es que de cuando en cuando, y sobre todo en las canciones más largas, los músicos pierden un poco el norte y por ende, aparecen pedazos muy atmosféricos, olvidables e inatrapantes.

La gran mayoría de los que han escuchado Si On Avait Besoin D'Ine Cinquième Saison opinan que es una obra maestra, y yo, por supuesto, digo lo mismo. Cuando lo oi por primera vez, no pude parar de escucharlo hasta que por iniciativa pensé que me haría daño.

13 discos de 2013

Este año escuché 100 discos que salieron del 2013. Es imposible tener tiempo para escuchar todo y a todos, pero de los cien que organicé en una carpeta hice una lista de los trece mejores para mí. En este entrada están desde el 13 hasta el 5 y en entradas separadas hacia abajo están del 4 al 1. 

13.- "Vikorg" -  Señor Loop 

 Empiezo con este excelente disco de la banda panameña Señor Loop, combinan rock, dub, con la salsa y reggae. El bajista es el mejor músico, y la voz de Rodrigo Colón es una placentera combinación entre un cantante de R&B y rock. Este disco es intrigante como la selva, a cada canción se destila la sensación de estar en medio de la misma, aunque en realidad es una alegoría a la ciudad. Por eso su mejor canción trata la fábula del mono y culebra, que podemos aplicarla en cualquier ciudad.

12.- "Black Mamba"  -   Voltar 

Banda salvadoreña de post rock que con este disco nos anuncia que en un futuro llegará a la par de los grandes del género. Las texturas y las ambientaciones son para perderse en el ambiente, pero sin perder esa chispa, esa sensación de que hay algo mas por construir, propio de las cosas hechas en Latinoamérica.

11.- "A Feast of Consequences" - Fish

El hecho de que este disco esté aquí es debido a dos cosas: la primera, a que a Derek William Dick “Fish” le tengo un gran afecto por hacer que me gustara Marillion cuando yo era pequeño y la segunda y mas importante es porque adoro las historias de supervivencia.

La carrera de Fish en solitario desde su partida de Marillion ha estado llena de altibajos, es impredecible, pero no de la forma en que se usa ese adjetivo como elogio, sino la forma de alguien que anda dando tumbos. Ahora, seis años después desde su último disco (el regular “13th Star”), aunado a un susto debido a un absceso de grasa en el cuello que lo mantuvo en los hospitales durante mas de un año bajo la sospecha de cáncer y para rematar su intenso matrimonio que terminó en meses, Fish sale de sus ceniza y nos señala su festín de consecuencias, producto de sus propias decisiones. Nos dice que sigue vivo. 

10.- "No Beggining No End"  -  José James

Es impresionante la voz del originario de Brooklyn. Cadenciosa y flexible, conocido por su adaptabilidad en el jazz, este disco lo acerca mas a sonidos que él mismo ha señalado como sus influencias. A lo largo del trabajo, uno puede cerrar los ojos e imaginarse que Marvin Gaye está cantando en ocasiones, o que hay pinceladitas de Herbie Hancock y de Thelonious Monk. Vino y relajación son necesarios para el disfrute de este disco. 

9.- "Le Sacre Du Travail"  -  The Tangent 

Disco conceptual del grupo que conforma a grandes talentos liderados por Andy Tillison, que conglomera al ex Porcupine Tree Gavin Harrison, a Guy Manning (de probado talento en solitario) y a Theo Travis (el maestro del sax y la flauta). La historia trata sobre el transcurrir de un día en la vida de un individuo común y corriente en la sociedad urbana contemporánea, gestando este concepto al modo de parodia o de alusiones macabras con “La Consagración de la Primavera” de Ígor Stravinsky. Trabajo muy cerebral y brillante que te indignará y hasta te hará reír en ocasiones. 

8.- "The Theory of Everything"  -  Ayreon

El multiaclamado multinstrumentalista holandés Arjen Anthony Lucassen volvió por sus fueros al sacar un disco para su proyecto Ayreon después de cinco años de no hacerlo, y debo confesar que al momento que leía los avances, pensé que estaría ante el mejor disco del año, quizá uno que marcara época: cuenta con la participación de las leyendas vivientes Rick Wakeman (el de las capa sagrada de Yes), Keith Emerson (el Emerson de Lake y Palmer), Steve Hackett (la guitarra de Genesis); aunado a dos que en unos diez años serán igual que ellos Jordan Rudess y John Wetton. Pero… algo pasó. Esta rock opera es un trabajo sobresaliente debido a la calidad de las personas involucradas, sin embargo, no fue lo que yo esperaba: las letras de las canciones, alejadas de la ciencia ficción y mas cercanas a un mundo mas realista) no abundan sobre el tema, solo cantan algunos versos que se repiten de forma sosa en un afán de rellenar tiempo para avanzar la historia, que dicho sea de paso, no es tan hermosa como la de “The Human Equation” de hace nueve años. El título, que prometía lo que más me apasiona en la música: letras cargadas de filosofía, falló miserablemente. Y me quedé con la sensación de que pudo hacerse más.

El álbum es sobresaliente si se quita ese detalle que menciono. Musicalmente raya en la perfección, maestros todos en su arte, vale muchísimo la pena. Hay atisbos de gaitas escocesas, violines y cellos. Las guitarras hicieron que me orillara en el tráfico de una hora pico por casi impulsarme a acelerar a límites prohibidos. Y la voz invitada de Cristina Sarabia casi me hace llorar.

Disco de contrastes que sin embargo me dejó buen sabor de boca. Las altas expectativas pueden explotarte en la cara.  

7.- "The Mountain"  -  Haken

 Tercer disco de la banda inglesa con tecladista mexicano, después de hacer que tengamos la quijada al suelo con sus anteriores dos trabajos, Haken lo vuelve a hacer y nos entrega un trabajo que puedo asegurar reinventa el género del rock progresivo, a veces dudando entre estructuras anquilosadas en los clásicos y en la modificación de estructuras socavadas por la repetición, dando la pauta a las bandas venideras.

La poderosa y sentimental voz de Ross Jennings es el arma principal de estos muchachos, que siguen sorprendiendo a los exigentes de la música como yo, además tienen otros ganchos a la quijada en su arsenal: los riffs acrobáticos en la guitarra sin ser exagerados, la batería apropiada y sin desbordarse, el bajo que parece juguetear de principio a fin, y los teclados, sintetizadores y atmosferas de mi compatriota que hacen sentir que estás en la cima de una montaña.

Si quieres algo fresco en lo que gustas escuchar, nada mejor que Haken 

6.- "The Twenty Seven Club"  -  Magenta

Magenta es una de mis bandas favoritas. Asumen sus influencias y le inyectan su esencia a sonidos familiares que todos tenemos como Pink Floyd, Yes y Genesis, no niegan la cruz de su parroquia, y lo aderezan con la voz de Christina Booth, que es un deleite para ojos y oídos. Al momento de escribir esto, Christina se encuentra luchando contra el cáncer de mama. Y este disco salió un mes antes de que se lo detectaran. Su voz suena magnífica, sin desafinarse, sin salirse de la nota y y yo espero que no sea la última vez que la escuche.

El material es un disco conceptual sobre esos músicos famosos que murieron en el cénit de su carrera al cumplir los 27: Jim Morrison, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Brian Jones, Kurt Cobain y Robert Johnson, al ponerles nombres a las canciones alusivas a ellos como “The Lizard King”, The Devil At The Crossroads” y “Ladyland Blues”, por nombrar ejemplos. Es un disco muy denso, es el mas cercano al rock progresivo de todos y por ende, difícil de digerir, tanto que necesita de un par de escuchas de principio a fin para agarrarle cariño y las referencias a los muertos, pero una vez hecho eso, se volverá muy querido para tus oídos. 

5.- "All Is One"  -  Orphaned Land

La banda de metal israelí Orphaned Land es la única cosa en el mundo que une a palestinos e israelíes en un gusto común. Peticiones tanto en línea como en la realidad de que los incluyan en los nominados para el Nóbel de la Paz llevan realizándose desde hace mas de diez años. 

La banda tiene una trayectoria de mas de 20 años, comprometidos con los conflictos de su región geográfica. 

Este disco tiene lo usual del trabajo de un grupo único en el mundo: guitarras distorsionadas perfectamente ejecutadas, instrumentos del medio Oriente que se asoman, coros yemeníes y letras de reconciliación como en “All Is One” (“Evil falls on each of us, there's nothing new / Who cares if you're a Muslim or a Jew / The awakened ones are nothing but a few / And the one to make the difference now is you”) y en “Brother” (“Brother hear my plea tonight / I grew tired from these endless years of (Our) fight / From a tiny corner stone we may build our realm of light/ Please hear me, brother...”)

Mención aparte merecen “Through Fire and Water” y “Shama’im” cantadas en hebreo, árabe y yiddish. 

4. "Cantos Para Una Diáspora" de Dora Juárez Kiczkovsky

Una diáspora es definida como la dispersión por el mundo de un pueblo que ha tenido que abandonar su lugar de procedencia originaria, que ya sea por exilio, guerras o hambre; la RAE incluso define que el término es usado especialmente para definir al pueblo judío, que siempre es pintado como el náufrago por excelencia en la historia. Esta diáspora se extendió por todo el orbe, creándose vertientes socio-culturales como los yiddish en Alemania, los sefardí en España y los ladinos en Latinoamérica; cada uno con sus propios ritos, que derivaron por ende en la creación de música para expresarse.

Por más que la ubicación geográfica y las denominaciones de los diferentes pueblos judíos eran distintos, todos coincidieron en que fueron yéndose de su tierra, y por ende, la música hecha por todas las diásporas cantan sobre la añoranza de su lugar de origen y su dolor por no volver,  siendo confundida la mayoría de ellas como canciones de amor para quienes no podemos entender dicha cultura.

La primera vez que vi a Dora cantar fue en un video de Youtube con el trío Muna Zul, quienes me maravillaron con su armonía vocal, su experimentación, su libre albedrío y por la capacidad de hacer hermosos los momentos. A mediados de este año supe que la guapa Dora sacó un disco en la compañía Tzadik Records, casa del mismísimo John Zorn, por lo que me puse a investigar sobre ella: nació en Israel, hija de padres argentinos, de descendencia polaca por parte de sus abuelos, está viviendo en la Ciudad de México, especializada en canto en la Escuela Superior de Música y en el Centro de Capacitación Cinematográfica, además de cantante, es realizadora de cortometrajes y largometrajes que se han presentado en diferentes festivales internacionales.

El disco contiene once temas con sobredosis de melancolía, revisadas para estos tiempos turbulentos (“contemporáneos” dice el eufemismo); y es difícil de explicarlo en palabras, pero se ve que la pasión que Dora  le imprime en estos menesteres que involucran a sus antepasados.

Entre las canciones que más me gustaron, fue desde la inicial “A La Una Yo Nací”, el clásico tema ladino, que desde sus primeros momentos escuchamos el lamento de la voz de Dora y podemos sentir la tierra del desierto en nuestras mejillas, la guitarra perfecta y la percusión en sintonía. Emocionante y nostálgica. “Una tarde de verano” empieza con un loop vocal, bellísimamente construido, que logra una exquisita base vocal en el viejo pero hermoso poema sefardí, que relata la historia de una joven que se veía mora, pero de España nacida. El timbre y el rango vocal de Dora en “Porqué Yorash” es impresionante.

La pieza “Tres morillas” es una hermosura: canta la historia de Axa, Fátima y Marién. Misteriosa, cantada casi en las penumbras: refleja ese temor que se le tenía (¿tiene?) a la belleza lozana de las moras en la ciudad de Jaén.

El verdadero punto álgido del disco viene con el último par de canciones, primero con “Morenica”, cantada magistralmente, uno siente que se no siente la piel de tanto que se enchina, y mas cuando te dice estos versos: “Morenica a mi me llaman / Yo blanca nací / De pasear galana / Mi color yo perdí”, que en mi mente quise imaginar las andanzas de Dora en una país como éste mi México. Finaliza con “Durme”, una dulce canción de cuna para las niñas, que poco a poco plantea el futuro de fantasía para ellas y terminar diciendo la sensata advertencia: “lo que hicites con tu padre y con tu madre a ti te lo facerán”. Mi amiga y mi hermana están por tener bebés, si salen niñas ambas, trataré de cantarles esto a manera de mi amor por ellas.

El disco se llevó algo de la vida de Dora, se ve que ella tenía que dejar algo para sus antepasados, tenía que homenejarlos y venerarlos. Lo logró. Cuando se deja el alma en trabajos como éste, siempre se tendrá el reconocimiento. 

3. "Shrine of New Generation Slaves" de Riverside

Quinto disco de la banda polaca liderada por el Adonis del prog Mariusz Duda, quien además de ser guapo, toca el bajo, canta –muy bien-  y es el único letrista. Este disco marca la pauta para que sean considerados los mejores de esta época, se ven en su elemento y no han dejado de tener una racha ganadora en la música que componen. Llenan donde van: México, Brasil, Costa Rica, toda Europa, y la mayoría siguen sin saber de quienes se tratan.

De alguna forma, en este trabajo Riverside se volvió más accesible y hasta pudiera decir que sus canciones están listas para la radio con algunas versiones radio edit, pero al mismo refinaron su calidad instrumental y compositiva, algo que ni siquiera los mas grandes han hecho.

El título del disco plantea un tema, y como tema abarca una incógnita básica, la de que es la “nueva generación de esclavos”, misma que es resuelta con mucha lógica en el primer track: “The truth is: I am a free man but I can’t enjoy my life”. La nueva generación de esclavos somos todos. Esclavos al celular, al materialismo, a las relaciones fugaces, a la religión. "We never talk when we fall apart" canta el buen Mariusz en “Deprived”.

“The Depth of Self-Delusion” es un baño de sorpresa, nunca escuché a Riverside tan claro, sin tanta oscuridad, setentero; hay toques de jazz en el piano de “We got used to us” que nunca pensé escucharles.

“Celebrity Touch” es un pedazo de canción, te hace menear la cabeza, headbangear y desear que esté en loop infinito mientras caminas las calles de cualquier orbe, te da vida, mientras el protagonista narra su sed de ser visto con una furia que se asemeja a la segunda etapa de rehabilitación de los adictos a algo. Incorporan plácidamente un teclado hammond a la mezcla. Es potente, completa.

“Feel Like Falling” es el contrapeso en la balanza, siendo oscura y progresiva hasta las cacha y en la que la influencia de Lunatic Soul, el proyecto en solitario de Mariusz Duda, se deja ver.

Este disco me sorprendió para bien. Riverside es de mis bandas favoritas del mundo, pero ahora me demostraron que pueden ser versátiles y seguir siendo ellos. Hay calidad en el mundo. 

2. "Eclipse de Memoria" de la Barranca.

No es un secreto que La Barranca sea para mí la mejor banda mexicana de rock de todas las que han existido en este país. Es algo que siempre he dicho. Sus guitarras resuenan de variopintas maneras: a veces son crimsonianas, a veces a lo Radiohead o a lo Hendrix, y puedo decir con toda seguridad que han respetado al rock como debe, y sus letras, aún después de 20 años de trayectoria, siguen hablando de los conflictos inherentes a ese ente extraño y contradictorio que es el mexicano: un ser definido por todos, pero resuelto por nadie.

Este disco, octavo en la carrera de la banda, surge después de un hiato decretado por José Manuel Aguilera (líder y dueño absoluto de la misma) para presentarse con su proyecto en solitario denominado Mitocondrias, en el que presentaba canciones clásicas de la Barranca y experimentó con nuevos sonidos, como las cuerdas y las marimbas. Desde el primer segundo del disco te das cuenta de la presencia de estos elementos, volviéndose gratas sorpresas en el devenir del mismo.

El tema que se trata en el disco se refiere a la oscuridad que a veces se apodera de esa cosa tan selectiva y enigmática como es la memoria humana, que hace que olvidemos cosas o que las recuperemos con más brillantez después de cierto periodo de tiempo, con su consecuente sentimiento de dolor o placer, así como la ilusión de que en realidad eso es controlado por cada uno de nosotros. Dicho espejismo es retratado el “El Alma Nunca Deja de Sentir”, primer tema del disco que marca la pauta en cuanto a la sorpresa de sonidos que nos esperaremos en este material.

“Ante La Ley” es el sencillo de este disco, que se presenta con trompetas y trombones a la palestra, dándonos una letra de un alto contenido político, además de filosófica para algo tan inherente al mexicano como el hecho de que un policía lo detenga en la calle: “¿Es el bien o es el mal el que trae al oficial que te ofrece un arreglo seguro?” Simplemente magistral.

“Garzas” cuenta con una guitarra acústica muy de Fairport Convention, con un ritmo cadencioso, pero que oculta unas guitarras con slider propias de una canción melancólica de post rock, y como bonus, la Ceci Toussaint está haciendo la segunda voz.

“Flores de Invierno” es para mí la mejor del disco: la agonía desde el que ve a un ser querido ser devoradas sus memorias por el Alzheimer o por cualquier otra enfermedad que afecte la memoria, como el estado de coma o la amnesia. Es sublime el feeling que le imprime. La primera vez que la escuché no pude evitar notar que la voz de José Manuel ha mejorado demasiado, y que son las mejores vocales que ha grabado en toda su carrera. No desafina en una canción muy exigente para la garganta.

“En Cada Movimiento” y “La Tercera Joya del Sol” demuestren ese jugueteo con las consolas y los sonidos a los que José Manuel experimentó en Mitocondrias; la primera es una canción muy erótica, como de “Princesa Bacana” de Jorge Drexler pero en versión oscura, y la segunda es una canción que le hace de continuación. La voces siguen siendo impresionantes para mí.

“Campos de Batalla” parte madres, sacude las ideas: no hay nada más contundente como el hecho de que te digan que la normalidad va a regresar y con ella se van a dormir tus sueños. “Sepan que olvidar también es tener memoria” dice el Martín Fierro al final del famoso poema argentino que lleva su nombre. José Manuel y la Barranca sacan la espada y tratan de rebatir es afirmación. El águila debe volar sola.

No puede faltar en el tema de la memoria, la sensación perpetua del ser humano para que los días no se lleguen y querer detener el tiempo,  en la pieza “Siempre Joven” se refleja ese deseo, y menciono esta canción por que una persona que yo amo demasiado me dijo que quería que esta canción fuera la de sus días ante la adversidad por la que estaba pasando.

Finaliza el disco con la memorable y rulfiana “El Tiempo es Olvido” que en el título viene a resumir la fiera venganza del tiempo que hace ver desecho lo que uno edificó. El causante de la desgracia de Ozymandias. “Bajo el ojo impasible del sol el tiempo es olvido” nos dice, y después nos sentencia el inminente regreso del PRI al poder: “Y el pasado regresa vestido de porvenir”. Hasta el sol se desintegra, José Manuel.

En resumen, este es un discazo, digno de ir y volver a el, como casi todo lo hecho por la Barranca. 

He escuchado que se le define a La Barranca como “el secreto mejor guardado de México” y ante discos como éste, de mí, de nosotros depende que la banda sea más reconocida de lo que ya es. Es nuestro deber ante las cancionsotas aquí depositadas.  

"The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)" de Steven Wilson. Mejor disco de 2013

Ya no fui el mismo desde el día en que Steven Wilson entró a mi vida: tenía yo 20 años y estaba buscando la forma de decirle adiós a toda forma de mediocridad hasta en mis gustos musicales y me topé con Porcupine Tree. Ya conocía yo al King Crimson, a Yes y a los demás clásicos, pero uno a veces quiere dejar las vacas sagradas para las visitas especiales y con ello evitar el desgaste. En ese entonces, yo creía que eran lo máximo y cada álbum que sacaban me gustaba más que el anterior.

Entonces Steven Wilson lanzó “Insurgentes” (el título del disco denota la intención para con su vida y su música, era, a final de cuentas, su revolución), yo a este evento le llamo “el principio de la polarización del rock progresivo moderno”, en este momento Wilson dejó de ser el líder de una banda que hacía buena música, a una figura que dio origen a una confrontación entre los fans del género; unos que lo endiosan y afirman que le dio nueva vida a un género que estaba anquilosado y detenido desde hacía décadas en las mismas estructuras, y otros que dicen que es solo un homenajeador glorificado y que ha hecho de su amistad con los viejos dioses del Prog sólo por mercadotecnia. A partir de ese momento la figura de Wilson es para mí la de un ícono, un osado que acertó al irse en solitario y crear mejor música que la de su banda original. Ya realizada su insurgencia, lanzó el magistral “Grace For Drowning”, el mejor de su carrera para mí debido a la honestidad con la que se hizo y a que abrió sus sentimientos ante sucesos que le estaban pasando, como la muerte de su padre, por ejemplo.

Este año, lanzó “The Raven That Refused To Sing (And Other Stories)”, que alimenta el lugar común de relacionar a los cuervos con E.A. Poe, es un disco que amalgama 6 historias de fantasmas o de terror mientras que rinde tributo al rock progresivo de la época de los setenta. Para conseguir dicho fin, se hizo acompañar de una banda poderosa, compuesta por pesos pesados en todas sus líneas: Guthrie Govan en la guitarra; el carismático Nick Beggs en el bajo y las armonías vocales; Marco Minnemann en la batería, Adam Holzman en los teclados y pianos y Theo Travis el maestro de los instrumentos de viento que ha grabado con el mismísimo Robert Fripp.

En este álbum, Wilson mezcla el pasado con el presente de una manera sofisticada: cada energía y métrica están bien cuidadas como en antaño, pero con un sonido poderoso que hoy en día se logra gracias a la tecnología. Y dicha combinación entre pasado y presente en el sonido del rock progresivo no puede llevarse a cabo sin un talento que trascienda y venza esa dicotomía, para ello, Wilson incorporó a Alan Parsons al proyecto como ingeniero de sonido y productor. Talento, amor por el género e inteligencia hay de sobra en el disco. 

El disco empieza con “Luminol”, la energía es casi desbordante, con un bajo pulsante que mueve tu cuerpo y una guitarra con el “wah wah” chapotea y juguetea por ahí, la flauta viene a darle un toque de finura a la pieza, como los últimos toques en el óleo de un paisaje hermoso y el piano eléctrico viene a corroborar lo dicho en el anterior párrafo, sientes que estás en una pieza setentera. A los cuatro minutos se minimaliza y Wilson empieza a cantar. La letra trata sobre una persona que andaba trovando por las calles, nada lo detiene, ni el sol ni la lluvia ni la nieve, hasta que un día muere e incluso después de muerto sigue con su rutina, convirtiéndose en un fantasma, pero ¿acaso no lo fue en vida? ¿Es posible ser un fantasma en vida?

Aquí el tema desde el Teatro Metropolitan en la Ciudad de México, yo estuve ahí, y contribuí a los aplausos en armonía con el tema que se escuchan a los dos minutos. 

 

El segundo tema es “Drive Home”, nostálgico tema cuya palabra que mas la define es “equilibrio”: empieza suave y tranquila, simple incluso, pero Govan nos hace que la terminemos llorando justo como él hace llorar a su guitarra. Si alguien me dijera o leyera la frase “un melotrón que suena a violín” pensaría que está haciendo poesía, esa imagen retumba bonito en mi cabeza, pero es realidad en este tema. La canción habla sobre la muerte: una pareja viaja en coche, están enamorados, al minuto siguiente, en un accidente, ella muere y él queda vivo pero paralítico, el fantasma de su amada está recordándole constantemente de ese evento, él no puede aceptar esa realidad y trata de bloquearla. 

El tercero en la lista es “Holy Drinker” que empieza con un piano misterioso, al que se une la guitarra y la batería como en espasmos de furia, en caos, que se rompen en una rápida sucesión de acordes. El acompañamiento entre flauta y órgano me recuerda a la banda holandesa Focus que también es, oh sorpresa, de los setenta. Sigue un interludio misterioso y terminan con el sello de la casa: una coda que retoma el ritmo inicial. Esta canción trata sobre un hombre muy religioso, muy creyente pero que bebe demasiado y el diablo se le aparece para condenarlo gracias a su vicio. 

El tema mas corto del disco, cronometrando cinco minutos, es “The Pin Drop” es el tema menos progresivo y que se parece mucho a Porcupine Tree. Incluso a veces a Oceansize, una banda muy buena que ya no existe más. Las armonías vocales y el estribillo son geniales. Esta canción trata de retratar el hecho de que en una relación pueden haber muchas tensiones, enojos que se reprimen hasta el punto en que un episodio banal, como el caer de una aguja puede desatar un episodio de violencia de género. Cantada desde el punto de vista de la esposa, nos revela en un principio que está muerta y su cuerpo está flotando en el río abajo ya que su marido la arrojó a éste después de matarla, en el trayecto rememora la vida que tuvo con él y que no pudo ser “de la forma en que el quería que yo fuera”. Desgarrador

El quinto tema, "The Watchmaker" para mí es el más débil del disco musicalmente, pero poética y líricamente es el más claro, está hecho en una atmósfera idónea para contar una historia de fantasmas: mansa, límpida y reposada, con sinestesia hasta pudieras ver la neblina y la noche. Cuenta la historia del relojero, metido en su oficio toda la vida sin expresar ninguna clase de emoción; estuvo casado con Eliza durante 50 años, ella muere y su sombra sigue estando con él, a pesar de que él le confiesa que nunca la amó pero que aun así la extraña, esa clase de costumbre no la quitas ni después de la muerte

Al último tenemos la canción mas triste del disco, la que le da nombre al disco, debo confesar que lloré cuando la escuché por vez primera: es melancólica, el piano y el sintetizador recrean una atmósfera como en el video de abajo: solitaria y con mucho frío, que te envuelve. Es desgarrador y esperanzador a la vez, llena de lamentos y súplicas que se enchina la piel. Nuestro protagonista hace que te empatices con él, es un viejo que ya no le queda mas por vivir y está esperando su muerte. Recuerda un tiempo de su niñez, que quiso mucho a su hermana, pero ella murió siendo muy joven. Al ver un cuervo en su jardín, él cree ver la manifestación del espíritu de su hermana y que el canto de ese cuervo le devolvería una vida antes ida. Es hermosa.   

Este disco es una obra de arte, no tanto como “Grace For Drowning”, pero definitivamente mejor que muchas otras propuestas en este género o en otro. Es un disco preciso, con la belleza de la tristeza que siempre Wilson trata de plasmar. Es infinitamente recomendable 

28 de Abril.- Dredg "El Cielo" 2002

La pintura puede (y debe, según algunos dedicados al oficio) estar acompañada de música, puesto que ambos son actos de creación. Este disco es uno de los mejores que he escuchado en mi vida, de cualquier género y cualquier tiempo. Es una obra maestra envolvente y muy bien hecha y, cosa rara, maquilada por estadounidenses. dredg (el nombre de la banda es en minúsculas según los mismos miembros) es una banda oriunda de un poblado llamado Los Gatos, California, formada por Gavin Hayes (Voz), Mark Engles (Guitarra), Drew Roulette (Bajo) y Dino Campanella (Bateria, Piano) y se dieron a conocer en 1999 con un disco llamado “Leitmotif” que tuvo una aceptación grande en los circuitos que ahora se conocen como “hipsters”. Todo eso cambió con este su segundo disco “El Cielo”, que obtuvo un reconocimiento prácticamente universal.

Y no es para menos, esta obra conceptual, inspirada en la pintura “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar”del maestro Salvador Dalí. Que los llevó a adentrarse en el tema plasmado en la pintura, “la paralisis de sueño”, un fenómeno profundo y alucinante. Una condición muscular producida por la atonía que una persona tiene cuando duerme, causando alucinaciones, la sensación de estar despierto y que de forma ignorante, la gente explica que “les sube el muerto”.

El tema del álbum, su objetivo, era, como ya lo expliqué, el musicalizar la pintura hecha por el maestro (si eso fuera posible), y musicalizar lo vivido en el oleo. Se lee fumadisimo y ambicioso, pero el resultado es un trabajo deslumbrante, con letras poético-crípticas abarcando temas como la vida, la angustia, la anarquía y el cambio, mientras una voz interior nos advierte que todo es un sueño del que no puede despertar.

Los temas son dieciséis y abarcan todo tipo de música y estilo, haciendo de todo esto un viaje enorme: en un segundo estás en una playa y la luz te cega, y al otro estás en lo profundo de una cueva, en el desierto africano. Rock, psicodelia, violines, oscuridad y destellos mantienen una espontaneidad y energía que agrega al sentimiento del 'sueño' que experimentamos. Así como las “pinceladas” ('Brushstrokes’, que en este disco metafóricamente representan interludios) son una técnica tan sutil y hermosa de la pintura que en su ambiguedad nos obligan a imaginar y crear en nuestra mente ese mundo soñado.
De una forma metódica e insulsa, hice una pequeña radiografía canción por canción…

-“Brushtroke: Debtfoabaaposba” abre el disco, sus extrañas iniciales obedecen al título en inglés de la referida obra realizada por Dalí. Se escucha la preparación de los utensilios de pintura y las referidas pinceladas, corta abruptamente para oír un bajo rítmico suave y la voz ultrasensorial de Gavin, que es el inicio de…

-“Same Ol’ Road”, donde el viaje comienza, y el título se refiere a esa familiar etapa donde se inicia un viaje, en este caso la pintura. La guitarra acrobática de Mark Engles, la fluidez de la batería de Dino Campanella combinados con esa letra salida del corazón que expresa el epítome y gracia de la satisfacción humana, que no es compleja: “todo lo que necesitas es una modesta casa / en un modesto barrio / En un honesto pueblo habitado por gente honesta”. Después de casi diez años de escuchar esto, me sigue dando un escalofrío en la piel…

-Y eso no es todo, pegado a ella sigue “Sanzen”, una canción cambiante, de subibajas, un viaje a diferentes sectores de la Vía Láctea. El riff que predomina es dinámico, la batería prendida, y la voz… la voz tiene un grado elevado de compromiso con las emociones desplegadas, cantando un estribillo lleno de esperanza. Es hermoso como cae y vuelve a subir. Un deleite.

-“Brushstroke: New Heart Shadow”: Es el primer interludio, y tiene una base muy pegajosa e impecable, con el toque post rockero por parte de nuestro guitarrista. Corta y al pie.

-“Triangle”: Es la mejor del disco. Su inicio ambiental me hace imaginar que la pintura se mueve, que hay atardeceres bellos, que el sol da esperanza; se convierte en una voz en el desierto, en una oda al dolor, las paradojas y al sentido que nos lleva estar viviendo en este tipo de sociedad capitalista, cantando de manera macabra, verdades irrefutables como: “No es imposible para las flores crecer y desarrollarse al lado de las tumbas / y bebés nacen en edificios donde la gente acude a morir”; ó: “Vamos a protestar la forma en que somos pasivos hoy en día”; y: “Somos como pingüinos en el desierto, ¿por qué no podemos vivir como tribus?”. En mi opinión es la mejor.

“Sorry But It’s Over”: Es una canción de mucha actitud, un razonamiento sobre mantener la cordura ante la seducción por destrucción. De nuevo la guitarra tiene un papel sobresaliente. Una canción de rock promedio.

“Convalescent”: Esta canción tiene aún mas actitud que la anterior, pero una estructura normal. El mejor detalle de esto, es que habla sobre la empatía: describe a un viejo hombre dependiente de su silla de ruedas, y después lanza que quizá uno no lo ha visto, y que pasando por eso es la única de entenderlo…

“Brushstroke: Walk in The Park”: Es nuestro segundo interludio. Una pieza instrumental de una gran belleza y oscuridad por igual. El piano y las cuerdas como estelares. A nivel metafórico, esta canción es la frontera que divide el momento entre el boceto de nuestro cuadro, y los detalles surrealistas de este. Lo siguiente será tripeante…

“Eighteen People Living in Harmony”: La voz empieza a usar efecto de forma mas notoria, el ritmo es muy movido, de esos que en vivo alentan al desmadre entre las masas, y, de una forma sutil, el cello acompaña los compases llenos de una batería furiosa. Al final de la canción está la confirmación de la frontera que ya describí.

“Scissor Lock”: Empieza el trip, la médula del álbum. Las menciones a las abejas y a “jugar como niños mientras estamos paralizados mientras dormimos” lo confirman. Un punto a notar de esta canción es que de vez en vez escuchas fragmentos de grabaciones realizadas por personas que sufrieron parálisis del sueño.

“Brushtroke: Reprise”: La sensación de deja vu que deja al escuchar de nueva cuenta el estribillo de “Same Ol´Road”, mientras, sin notarlo, se apodera de la escena una guitarra acústica que, en mi opinión, refleja que no todo en la vida se vive dos veces, la batería entra simple y sigue…

“Of The Room”: La crónica (con realismo mágico incluido) de una cena romántica en medio de una noche de bosque inclemente. La batería es perfecta, el bajo igual, ambos tocando por nota. La guitarra hace un riff continuo, esquivando olas, estrellas y nubes. Esto en vivo sería la gloria…

“An Elephant in The Delta Waves”: Una onda delta es una oscilación del rango de frecuencia que ocurre en el cerebro en las etapas del sueño profundo. ¿Ahora ves la conexión? Esta canción desentona con el resto del disco, pero no en mala forma. Es muy surrealista y te trae a la cabeza los momentos en que viste por el Animal Planet a una parvada de elefantes cruzar galantemente la sabana africana…

“It Only Took a Day” y “Whoa Is Me”, son las clásicas rolas de rock semipesado, que en vivo te ponen a modo para las estelares. La forma en que ambas se “quiebran” y “recuperan” es meritoria.

Cierra el disco “The Canyon Behind Her” ¡y qué forma de cerrar! La voz en japonés te envía lejos, combinado con ese piano para hacerte oscilar entre los dos hemisferio de tu cerebro sin que tu lo notes. La canción mas sentimental entre el sentimiento. Es épica y magistral, terminando con un una especie de coro religioso de una riqueza incalculable.

Este disco reboza de creatividad, de emociones, de vida. El concepto no era nada fácil, la obra de Dalí no es fácil, pero dredg supo canalizar esa inspiración en uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La voz de Gavin Hayes es el detalle que se lleva este disco: parece que está a punto de morir (¿o despertar?) al momento en que finalice el disco. La batería sobresale de igual forma, Campanella, sin ser un dotado, le imprime a las canciones ese “feeling” que termina por darnos en la torre. Escucha obligatoria y recomendable llorar…

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16 de Marzo.- Lo que me provoca gritar: "Piedad Ciudad"

Leer o enterarme de alguna cosa de La Barranca por cualquier medio es siempre una buena noticia, y más cuando sabes que tienen nuevo disco. Es un regocijo sutil, y uno sabe que será algo de calidad, por que desde que tengo conocimiento no he encontrado una banda mexicana que tenga la calidad suficiente como para estar entre las mejores del mundo, como la liderada por el excelso guitarrista José Manuel Aguilera; y que, en una declaración temeraria y polémica (y sin alcohol de por medio), me atrevería a decir que es la mejor banda mexicana de todos los tiempos.

La historia de la agrupación se remonta desde hace quince años, cuando Federico Fong; bajista, y Alfonso André, baterista; se unieron en una banda llamada “La Sociedad de las Sirvientas Puercas”, un proyecto efímero, teatral y desmadroso, donde había coreografías, televisores, Saúl Hernández y demás amigos de la banda sentados en una mesa, jugando poker vestidos de mujer. Dicha banda solo tuvo tres presentaciones; pero gracias a ellas, Hernández los invitó a una gira de Caifanes y en el tour surgió la inquietud de tener una banda propia y empiezan a grabar sus propias canciones.

Tras una serie de desencuentros, en ires y venires, entradas y salidas de integrantes, donde la figura de Aguilera ha sido la única constante; la banda regresa con la alineación y el estilo primigenios, la vuelta a las bases. El disco, llamado “Piedad Ciudad” está plagado de riffs polifacéticos desde lo profundo de las Fender stratocaster y telecaster de Aguilera: parapsicodélicos aquí, erótico-erráticos por allá, blueseros, alucinantes, progresivos; en fin, el agasajo consuetudinario que nos deja esta banda.

Desde la portada del disco, obra del dadaísta Pedro Freidenberg, en esta obra se habla en diferentes formas sobre ese grito de clemencia que hacemos en ocasiones todos los habitantes de estas orbes mexicanas cuando nos vemos sumergidos en la dinámica fulgurante que depreda nuestra vida. Hay un viejo adagio que dice que las ciudades mexicanas no se habitan, se sufren. Llenas de surrealismo y salvajismo, en las ciudades de este país es escena común ver un ciego en una esquina pidiendo monedas tocando el saxofón, y al lado de él, un travesti hablando por celular mientras le engrasa las botas un bolero con vitíligo.

Esos sentimientos terminan por dar inspiración a una docena de temas inéditos, de una calidad alta. La inicial “En el fondo de tus sueños” es la síntesis de lo escrito en el párrafo anterior; a pesar de que en la ciudad no hay mar, a veces sabe a sal el pensamiento. “La Lengua del Alma” es una canción de amor con alusiones indirectas a Led Zeppelin: la forma en que la guitarra entra con un riff setentero en medio del compás de la batería y el bass line demuestra lo fundamental que es la métrica en las composiciones de la banda; a mitad de la canción las cuerdas hacen sonidos maravillosos con lo que uno no puede evitar recordar “Kashmir” y quedarse convencido de que es intencional la comparación que se hace.

La situación actual por la que atraviesa este país no pasa desapercibida por la sensibilidad de Aguilera, los tracks “Viento Rojo” y “Posiblemente Imposible” dan muestra de ello; la primera narrando esa ola de sangre viene cubriendo al país, como si un dios enloquecido gritara sacrificios en su honor; y la segunda con enunciados muy ciertos dentro de su letra: “Eso que llamas realidad, alguna vez también fue solo un sueño”, y las condiciones básicas para una revolución: “una chispa prenderá la pradera, arderá con un fuego inaplazable, pero la chispa tiene que ser impecable, y la pradera estar dispuesta” (Túnez, Egipto y Libia dijeron presente a eso).

La cuarta en el orden, “Indestructible” apuesta por un inicio intenso que te llena de imágenes la cabeza, y con un coro improbable en cualquier otra banda: “en las cuerdas de la Stratocaster, reverbera todo el universo…”. “Sombras Chinas” cuenta con la única secuencia programada en el álbum y la guitarra es ausente, lo que le da una tenue referencia al progresivo; “Flecha” con su oda/grito agónico del amor a distancia.

Mención aparte merece “Más Allá de la Ley”, sin duda la mejor del disco: el bajo es digno de los mejores ejecutantes, la batería no le teme a tomar el liderazgo, y la guitarra blusea riquísimo, sirviendo de “cama” a las palabras, como cuando arrojas una piedra con superficie plana al agua y hace brinquitos. Así es como debería sonar el insomnio. Magnifica sin duda.
La referencia al Distrito Federal en “Ala de Cuervo” termina por confirmarme que mi gusto por estar en esa ciudad se debe principalmente a las rolas de la Barranca: esa búsqueda del acontecimiento incierto que, en medio de la vorágine y la multitud, me llegue a inspirar como inspira a Aguilera.

Siento que éste es un discazo, todo está de diez puntos, si me es permitida usar esa expresión poco mexicana, la diferencia con los anteriores trabajos es que estos güeyes se han hecho mas intuitivos: tienen en claro cuando hay que realizar las voces con acompañamientos y cuando la voz principal sola. Esos coros y acompañamientos ultragraves, variables en modo, registro y vida son obra de Fong, que Aguilera mordazmente lo llama el “didgeridoo humano”.
Bueno, ya fue mucho rollo, solo me queda despedirme manifestando que siento que la Barranca y sus zanjas empiezan a verse con mas profundidad en esta escena mexicana, donde lo prefabricado y el choteado úsese-y-deséchese es la moneda de cambio, y que esta banda no le pide nada a nadie.

A pesar de que este trabajo es uno de los mejores, no diré que maduro (por que desde el primer disco han mostrado un nivel de tecnicismo y autenticidad mayores a cualquier otra banda de este país), sino que diré que es la vuelta a las bases, a la primigenia, mientras se actualizan y avanzan, sin ni siquiera llegar a ser el mejor disco de ellos. Simplemente escúchalo.

Link de descarga: http://www.megaupload.com/?d=HJ5Q9WQS

16 de Enero - Pedro Morales.- El Otro Barrio

Pedro Morales es un cantautor regiomontano de nacimiento, pero tanto en su forma de verse como en su forma de conducirse parece un híbrido entre regio, jarocho, veracruzano y yucateco: tiene una singular alegría mexicana, una presencia carismática; y sus canciones llenas de sonesitos sabrosos combinado unas letras que hablan del amor a la naturaleza y a todos los seres vivos que los habitan, las manifestaciones sociales, los migrantes, la ciudad, la luna, la noche, el sol y la nieve.

En esta producción, “El Otro Barrio”, cuenta con 13 temas, producido en conjunción con Conarte y la Universidad Autónoma de Nuevo León; Pedro nos muestra esa otra cara de la ciudad, donde nuestra muerte alucina que vuelve a vivir: ese sentimiento cuando nuestro tedio consuetudinario y muy regio se despierta de su letargo castigado de tanto laborar y poco vivir, cuando de repente ve forma distintas en las calles, las paredes y los bosques. Ese tipo de “feeling” Pedro lo narra de forma muy particular en la pieza que abre el disco, homónima del título del mismo. Y es, prácticamente la premisa de éste.

El disco fluctúa entre distintas melodías y pasajes, desde la sentimental y nostálgica “Las Otras Puertas”, que es esa búsqueda que uno hace de si mismo entre toda la cotidianeidad donde se perdió; pasando por las pegajosas “Sin Patinar” y “Vivir empieza”, la tranquila “La Escena”. Haciendo escala en “Estalla en la Calle” donde el discurso de un guerrillero por la justicia te atrapa, y en fragmentos de la canción, nuestro cantante se apresura diciendo frases, describiendo esos espacios de expresión de la ciudad: la barda, la esquina, las calles, las luces. Excelente canción.

La que merece mención aparte es “Por las mismas veredas”, mi favorita personal (junto con “Las Otras Puertas”) que empieza que con un violín desgarrador, la voz de Pedro cantando: “Sueño…que va trepando la ilusión”, antes de explotar cual carnaval veracruzano en un ambiente de alegría y fiesta; la letra estructurada de forma de enlace con la ultima letra de cada verso, como en “Todo se Transforma” de Jorge Drexler, y rebate esa premisa de que los seres humanos somos superiores a cualquier otro ser viviente.

La historia de un migrante es contada en “…o dar la Vida” con la participación en las voces del maestro Mauricio Díaz “El Hueso”, un monstruo de cantautor, quien ayuda a cantar varias estrofas de esta pieza con un mensaje poderoso.

Entre flautas, jaranas, teclados y percusiones, el disco fenece, nos invita Con canciones ingeniosas, visuales, juguetonas con el idioma, pegajosas, festivas pero sobre todo muy reflexivas, a bailar el trino de los “Pajaros Valientes” para que en nuestra ciudad la libertad se haga presente. Es innegable el talento que Pedro tiene como cantautor, tiene una voz bonita y con cadencia que te mantendrá cantando momentos después sin saber por qué, cuando escuchas este disco imaginas el crujir de las hojas en el bosque, la luz de la luna coloreándolas y el canto de los grillos; el mar, caracoles y cielos azules. Un verdadero oasis. Para conseguir el disco, contactar directamente con Pedro, enviando un correo a pedrodelamar@hotmail.com, garantizo que será una buena adquisición.

09 de Diciembre.- The Pineapple Thief "Someone Here is Missing"

  

Track Listing:

1. Nothing at Best
2. Wake Up The Dead
3. The State We're In
4. Preparation For Meltdown
5. Barely Breathing
6. Show A Little Love
7. Someone Here Is Missing
8. 3000 Days
9. So We Row

Line-up/Musicians:
- Bruce Soord / vocals, guitar
- Wayne Higgins / guitar
- Steve Kitch / keyboards
- Jon Sykes / bass
- Keith Harrison / drums

Someone Here is Missing es el octavo álbum de la banda inglesa The Pineapple Thief: la visión y la inquietud musical de Bruce Soord que tiene una década de existencia; y este disco, como su nombre lo dice, Algo o alguien le falta.

Siempre he dicho a la gente que conozco lo buena que esta banda es, comparto su música y analizo sus letras; y si bien al seguir su trayectoria he tenido una serie de deja vus, pues en ciertos momentos suenan como Smashing Pumpkins, Radiohead o incluso Porcupine Tree; siempre he tenido un afecto especial hacia el sonido que emanan, ese “algo” que no muchas bandas tienen y que es difícil explicar, el favorito y hermoso término “progresivo” que hacen que sus canciones suenen mejor que algunas piezas que las bandas antes descritas (plausible el hecho de que la banda haya incorporado el mellotrón a su sonido sin parecer retro o sonar emocional o gastado, lo cual es innovador en cierto sentido). Ahora, en esta obra, al buscar nuevos sonidos siento que se sobrepasan y por eso que sobra, algo falta, ¿si me explico sin parecer bipolar?

Se añade un toque sombrío y pesado a sus canciones, la estructura de las mismas sigue siendo libre de clichés: las primeras tres canciones son cortas, la primigenia “Nothing At Best”, de inicio con punch, llena de una interpretación magistral: aceptando la culpa de alguien que pudo dar más y diciendo al mismo tiempo con cinismo: “seguiré haciendo esto mientras vivas”. Llena de energía y furia. La siguiente, llamada “Wake Up The Dead” es adictiva, demasiado tarareable y bailable gracias a la programación de los sintes y con un buen performance en las baterías; “The State We´re In” empieza con una guitarra haciendo acordes pegajosos mientras Bruce canta a la de Steve Wilson, entra la batería y se convierte en una fiesta, para después parar y hacer un break instrumental con los sintes que te cocinan el cerebro (con buen marketing este pudo haber sido un single). La mejor del disco “Preparation for Meltdown” dura mas de 7 minutos y comienza con una guitarra lastimera, una voz que ruega, que suplica por que se pare su calvario, las atmosferas de los sintetizadores, los riffs estridentes y melódicos a la vez que no puedes mas que fruncir el ceño de algarabía para detenerse con un piano de esos que uno solo escucha en su cabeza mientras llueve y después la batería lo destroza. ¡Pedazo de canción! La acústica balada de amor “Barely Breathing”, la oda a Pink Floyd en “So We Row", la guitarra espacial de “Show a Little Love”, por mencionar las mejores del álbum.

El contraste viene después de cierto punto, la programación perjudica mas de lo que ayuda, quizá escuchándolo en un buen sistema de sonido mi opinión sería otra, y a veces la voz de Soord se queda corta en rango, tiene un buen tono y la sabe usar, moldear de acorde a los sentimientos que expresa su lírica, y dichas características se denotan perfectamente en la citada “Preparation for Meltdown”; la instrumentación es todo lo que se puede esperar de la banda, su nivel de tecnicismo es alto, haciendo las notas debidas que el momento requiere, en eso sin queja, pero creo, que debieron haber dado mas, y pido perdón por no saber definir que es, tienes que escuchar el álbum para darte cuenta tu de ello.

He escuchado todos los discos Pineapple Thief y ciertamente he de decir que este no es el mejor que han hecho (ese título se lo lleva el Tightly Unwound), quizá si hubuera una rola parecida a la multimencionada “Preparation for Meltdown” el disco sería algo mas épico, mas grande, pero aun así, se cuela entre mis diez favoritos de este año y es mucho mejor que la mayoría de la música que la radio te endilga y que muchas banda de allá afuera que tocan rock y seudorock.

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04 de Diciembre .- Ephemeral Sun "Harvest Aorta"

EPHEMERAL SUN
Album: HARVEST AORTA (2010)
Genero: Progressive Metal/Jazz Fusion
Pais: EUA

Tracklist
1. Springsong (12:56)
2. Prism (9:39)
3. Memoirs (4:53)
4. Harvest Aorta (41:56)

La aorta es la principal arteria del cuerpo humano, la que da origen a todas las arterias del sistema circulatorio, transporta y distribuye sangre rica en oxígeno a todo el cuerpo. Así como el disco Harvest Aorta de la banda estadounidense Ephemeral Sun, que transporta oxígeno, frescura y sensaciones extrañas a los oídos. Tan extraño como imaginar que la aorta pueda ser sustraída del suelo, cosechada después de haber sido sembrada bizarramente por una corporación malvada, o de alguna escena al estilo David Lynch.

Es la premisa central del disco de esta banda, formada en 2002 en Virginia, para tener la oportunidad de explorar nuevos territorios musicales y emprender aventuras en la escritura. Con bases que van del rock, metal, el jazz, la electrónica, la música clásica y el funk. Dando como resultado piezas que son de imposible categorización. Es difícil ser original en este mundo, pero la banda de algún modo u otro lo son.

Este disco es un ejercicio de contrastes, balanceando elementos entre viscerales y naturales (el título del trabajo lo dice todo) y les tomó cinco años hacerlo, grabando cientos de horas de material, haciendo la mayor parte de ellas en vivo en el estudio, para mantener la energía y la intensidad, mientras preservaban la calidad del sonido. La calidad del trabajo es excelente, demostrando que se mueven de una forma ambiciosa y siguen con su objetivo de formar un sonido único. Cabe tomar nota que las canciones son atmosféricas principalmente, pero no en el sentido estricto del género, que se entiende a veces como logradas por sonidos de sampleos y demás herramientas técnicas y de software. No, los pianos y las guitarras son hermosos para crear canciones oscuras, complejas y melancólicas, que te dejan sin habla, pero sin ser brutales en el proceso.

Consta de cuatro temas, empezando por Springsong, luego Prism y Memoirs (una canción lenta con un ritmo de piano melancólica y una guitarra suicida que casi me hace llorar). Pero todos los reflectores se posan en Harvest Aorta, la última del disco, cuyos 42 minutos la hacen difícil de digerir, pero que mantienen sus giros y ritmos vacilantes para mantenerte interesado y sobre todo, impresionado con la cuadratura de ritmos y la forma en que estos hacen que encajen.

Sé que esta reseña es algo incoherente y corta, pero es difícil hablar de este disco, por que eso es: un trabajo difícil, que cuesta trabajo dominarlo, pero cuando lo haces, es como un gol, lo disfrutas y lo gritas porque quizá no habrá otro igual.

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04 de Diciembre.- Anathema: "We're Here Because We're Here"

Anathema es una banda inglesa, oriunda de Liverpool, formada por los hermanos Jamie, Daniel y Vincent Cavanagh, y que cuenta con una carrera de 20 años. Es una banda muy particular, en su trayectoria, han sufrido la poca valoración de su música, las cambiantes expectativas del público y la polarización de sus opiniones: tienen los fans más férreos y los detractores más voraces. Empezando como una agrupación de doom metal, después gothic y ahora con sonidos mas atmosféricos y melancólicos que entran en el rock alternativo o progresivo. El sol se verá salir más hacia las costas de los Cavanagh, todo a partir de su nuevo disco  'We're Here Because We're Here', el cual abre el debate de siempre (es que se oye muy metal, muy atmosférico, muy rebuscado, etcétera), pero supieron hacerse de los servicios de uno de los grandes: el maestro Steven Wilson (el cerebro y gurú de Porcupine Tree) quien aparece en los créditos como el mixer del álbum, y cuya influencia se nota principalmente en las armonías vocales, al incorporar 3 voces con distintas melodías.

Con semejante ayuda, el disco es uno de los mejores del año, siendo congruente desde el título: que si bien puede parecer redundante, incluso tonto; sugiere un enfoque nihilista (o posiblemente humanista) de nuestra existencia: que sólo existimos por el hecho de existir. No misión divina, no propósito terrenal, no secreto de la vida. Nada. Título adecuado para un disco que líricamente habla sobre mortalidad, el tedio, la esperanza, lidiar con los fracasos personales, y eventualmente, superarlos. En fin, la historia de la banda.

La música en general es oscura y melancólica, pero por alguna extraña razón no es deprimente, sino al contrario, te eleva el ánimo, te hace reflexionar y me atrevería a decir que las canciones son hasta cierto punto románticas (el estilo de romanticismo que había en el siglo XIX). Las influencias del rock alternativo y moderno post rock como Radiohead y Sigur Ros siguen siendo la principal fuente de inspiración, de modo que obtenemos gratos arreglos minimalistas, teclados tétricos y una atmósfera inquietante que crece a despertar clímax. De sobra esta decir que si te gusta mucho el ruido, este disco no será de tu interés. Empieza con tres canciones brillantes, “Thin Air” con su guitarra simple, secundado por una batería rítmica, y con la voz perfecta, con efectos, llegando a  notas que uno no se imagina que Vincent puede llegar a hacer. “Summernight Horizon” es una pieza enorme. Los pianos de película de terror, la influencia de Wilson se nota aquí con las ya mencionadas armonías vocales. Sólo de imaginarme esta canción tocada en vivo se me eriza la piel. La tercera es “Dreaming Light”, de igual belleza, orquestrada y de nuevo Vincent canta de maravilla. Su voz llena de emoción las notas, el aire, la vida, y la esperanza, los cielos de atardeceres. Un monstruo de canción. Desde ahora la favorita personal de todo lo que ha hecho Anathema.

Después el disco tiene una caída leve, con un par de canciones ordinarias y planas. “Everything” de verdad es decepcionante. Estuvo para descarga gratuita en el sitio de la banda desde hace mas de 5 años y la verdad que de tanto oírla en su versión demo, y ver lo mínimo que la actualizaron me dio tristeza, porque esa canción era para mejorarse en la versión final del álbum, en cambio, quedó como un remedo de canción pop. Malo el asunto.Angels Walk Among Us es bastante promedio también y no habla de los angeles per se, sino de las personas cercanas a nosotros que nos ayudan.

Resurge este trabajo al final con “A Simple Mistake”, y el disco fenece. Le falta algo a este disco para que sea un clásico, un trabajo épico que se recuerde, es muy creativo y la mano de Wilson se nota, pero se queda corto, lo cual es trágico, pues con los últimos diez o quince minutos del disco pudieran haber sido como el principio, este sería el trabajo definitivo, casi perfecto de Anathema. Aun así, me dejó un grato sabor de boca y es de lo mejor del año...

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24 de Noviembre.- Frogg Cafe "Bateless Edge"

FROGG CAFE
Album: BATELESS EDGE (2010)
Genero: Jazz Fusion
Pais: Estados Unidos

Track
1. Terra Sancta (12:25)
2. Move Over I'm Driving (7:58)
3. Pasta Fazeuhl (14:02)
4. Under Wuhu Son: In the Bright Light (8:22)
5. Under Wuhu Son: Left for Dead (5:36)
6. Under Wuhu Son: Brace Against the Fall (6:15)
7. From the Fence (12:05)
8. Belgian Boogie Board (10:31)
Total: 77:41

Me gusta mucho este año, cada vez me llegan discos nuevos y música fresca de todos los lados del planeta, es difícil darse tiempo de sentarse y escucharla, especialmente en estos tiempos caóticos, sumergidos en los resquicios inefables del capitalismo, donde escuchar música se vuelve una actividad secundaria, que acompaña algo principal.
Pero para los escuchas a lo antaño, los que nos sentamos a escuchar discos en las penumbras, zapatos fuera, audífonos canceladores de ruido y una buena bebida en la mano, la recompensa este 2010 es enorme, situación que se viene a afianzar con el disco “Bateless Edge” de Frogg Cafe, una banda oriunda de Long Island, Nueva York, con grandes éxitos en el circuito jazzero y progrockero. Empezaron como una banda de covers del genial Frank Zappa, con violines, coros bizarros y algunos elementos de su propia inspiración incorporadas a las canciones del maestro Zappa, llamaron la atención de los exigentes escuchas neoyorquinos y se decidieron a grabar dos discos, uno trascendental llamado Creatures del que hablaré después, confirmándose en el circuito como una agrupación virtuosa, de música en ocasiones que va de lo ligero hasta los pasajes mas oscuros y melancólicos, un viaje por varias gamas de colores gracias al uso dinámico y bizarro de los trombones y trompetas, y hasta ritmos funkys y árabes, una mezcolanza medio rara, que solo puede ser entendida y creída hasta ser escuchada.
Incluso, es difícil la tarea de reseñar este disco, por que “Bateless Edge” es como una fuerza arrolladora y compacta de música encerrada en una capsúla como las que hacía el papá de Bulma en Dragon Ball (por mas infantil y pueril que este símil se lea, pero no hay otra forma de describirlo). Es brutal el golpe catártico que hace esta banda, integrada por Bill Ayasse (violín, mandolina, voz, percusión), Santiago Guarnieri (batería, glockenspiel, percusión orquestal), Andrew Sussman (bajo, chelo, guitarra acústica), Nick Lieto (voz principal, teclados, trompeta, fliscorno), Juan Lieto (trombón) y Frank Camiola (guitarra, contrabajo, banjo), al grado de cambiarte por completo la forma en que escuchas un disco instrumental, y sin pretensiones fue descrito por Ayasse como “una reflexión sobre los incidentes que giran en torno a nuestra vida personal, así como un sonido integrado y de reciente formación que tiene esta banda en los reinos que no han sido hasta ahora explorados”. Así de simple.
Dividido en 78 sorprendentes minutos en los que se ve a una agrupación sin miedo a las innovaciones, a explorar los lados mas oscuros e intensos, en "Bateless Edge" se ven pasar, cuales sutiles cameos en obra teatral a clarinetes, mandolinas, violonchelos, liras, clarinetes bajos, xilófonos, cuartetos de cuerdas y muchos otros instrumentos juguetones de integración para crear un paisaje sonoro que dará el oyente infinitos detalles y texturas. Influencias hindúes se abran paso a la mezcla, algo de funk y jazz, combinado con un nivel de composición tan compleja y exhilarante, da como resultado piezas tan bellas, como la canción principal del disco “Under Wuhu Sun” (que trata sobre los trámites de adopción de una niña china), la cual cuenta con una partitura de 28 páginas en los que participan aproximadamente veinticinco instrumentos diferentes.
Usualmente la duración de la totalidad del álbum es un problema, pero cuando cada canción, cada nota y cada cambio de sección están, prácticamente perfectos; no queda más que pedir una doble ración. Al inicio del disco con la canción “Terra Sancta” escuchas ritmos medio-orientales y la guitarra que te transporta hacia tan remota tierra, al traducir la letra te das cuenta que es un tributo a las victimas del 9/11 (son neoyorkinos, ni modo): “Cualquier otro día, con la comida en la lonchera y el beso de tu madre te despedías… Hoy ya no”. Piano y guitarra se confabulan para dejarte a punto llorar y para que lo hagas, vuelve la misma línea con mas sentimiento y después… Silencio. Excelente intro.
“Move Over, I´m Driving” nos hace testigos de como un acorde de guitarra insistente te puede guiar por una pieza, claro, mientras lo acompañas con silencios, clarinetes, trompetas y exquisitos violines. A pesar de que expresa una familiar sensación de “road rage”, la canción expresa una elegancia y vivacidad que jamás creí escuchar, y te hacen olvidar que la pieza dura 8 minutos. “Pasta Fazeuhl” es como un tributo a la americana de la banda francesa Magma (una de mis favoritas y creadora del género que denominan “zeuhl”) cambios de ritmos alucinantes y con ganas de menear la cabeza. La canción se transforma, con un violín desgarrador, como la serpiente mudando de piel, como la transformación del hombre lobo, lenta, dolorosa, y dos minutos después, está lista: llena de frenetismo, headbangeo y risotadas en masa. Hasta ahora van 34 sorpresivos minutos de buena música que parece no terminar. Las tres secciones de 'Under Wuhu Son' son un manjar auditivo: la primera sección, 'In the Bright Light', maneja un aura melancólica desarrollada de forma coherente, bucólico y la sección de vientos con una elegancia indigna de un álbum de rock/jazz. "Left For Dead", es vibrante, fuerte, raramente bella y raramente escalofriante. El disco termina con 'From The Fence' la canción mas accesible del disco, la típica y condescendiente canción para ser editada y programada en radio. Capitalismo.
Disculpen lo extenso de esta reseña, pero en verdad, no exagero, este disco me transportó mas que cualquier otro que se haya realizado recientemente. Creo que tenemos al mejor disco del 2010…

Bajalo de aqui: http://depositfiles.com/es/files/bkdxf46hm
Si les pide password, poner esto:  pelicon

10 de Octubre.- Iron Maiden. The Final Frontier (2010)

IRON MAIDEN
Album: The Final Frontier (2010)
Genero: Heavy Metal
Pais: Reino Unido

Tracklist:
1. Satellite 15.... The Final Frontier (8:40)
2. El Dorado (6:49)
3. Mother Of Mercy (5:20)
4. Coming Home (5:52)
5. The Alchemist (4:29)
6. Isle Of Avalon (9:06)
7. Starblind (7:48)
8. The Talisman (9:03)
9. The Man Who Would Be King (8:28)
10. When The Wild Wind Blows (10:59)

Sorpresivo. Ese es el diagnóstico musical de este 2010. Así también es sorpresa, aunque en menor grado, el disco de Iron Maiden “The Final Frontier” y digo en menor grado por que sabemos la calidad y magnitud de esta agrupación formada por Bruce Dickinson (voz), Steve Harris (bajo, segunda voz, composiciones y mastermind detrás de la banda), Dave Murray, Adrian Smith , Janick Gers (guitarras) y Nicko McBrain (batería); que mas que ser una banda de heavy metal, son un símbolo, un sentimiento, un fenómeno o una pandemia que se arraiga mas en tu sistema que la cepa mas dañina de la influenza. Lo que tu prefieras.

The Final Frontier es un material de 76 minutos, que en mi opinión es un esfuerzo equilibrado, tratando de embonar los distintos fines que, hay que admitirlo, busca Iron Maiden: hacer nueva música y a la vez complacer a todos los fans de distintos estratos y países que solo son fans del metal simple y pegajoso.

Pero como no soy fan del metal simple y pegajoso, me enfoqué en los momentos del disco que me gustan: música compleja y progresiva, por que la Doncella de Hierro tiene un standard alto en sus ejecuciones, standard que muchas bandas jamás conseguirán. Por eso creo que este disco, a pesar de ser pegajoso y accesible, tiene momentos suficientes para los fans de la música progresiva, pretenciosa, y exigente como un servidor. Habiendo dicho esto, y en términos del balance equilibrado entre dichas premisas, el álbum es un hitazo, pero no es perfecto. La banda está como aferrada en escribir esas canciones que la dejen en su zona de seguridad, ya lo dije, pero también es un error mayúsculo como empieza la primer canción “Satellite 15… The Final Frontier” los primeros cinco minutos empieza muy space rock, metal prog¡Me encanta! Pero después, sin lubricante como diría mi amiga, inicia The Final Frontier con su estribillo de tres cuerdas sin chiste. No veo ninguna razón por la cual estas dos vías opuestas se presentaron como una canción.

Fuera de esto tenemos nueve canciones buenas, unas con niveles mas sobresalientes que otras, pero eso sí, TODAS tienen una story-line, un principio y un fin, lo cual se agradece, pero aun así no es lo mismo “El Dorado”, una canción pesada, rápida y furiosa, sin llegar a ser estridente que la quieta, épica y cambiante “When The Wind Blows” que cierra el disco. “Mother of Mercy” es una amalgama de todas las facetas de Maiden y es un homenaje comprimido en una sola canción. “Coming Home” y “The Alchemist” ponen la prueba a todas las banda de cómo es que tres guitarras deben de sonar.

Pero aun lo mejor del disco se reserva para los últimos cinco tracks, las canciones superan los 7 minutos, donde “Isle of Avalon” se lleva el indisputado título de mejor canción del disco: se va construyendo poco a poco, como los canticos de las mazmorras típicos de Seventh Son of a Seventh Son, y explota melódicamente, con unas partes atmosféricas y con bajeos muy precisos, solos magnificos, en fin, algo no tan Wagner y mas Beethoven. “Starblind” es menos buena, algunos riffs son pegajosos, lo que la mantiene a flote. Un buen disco.

Cabe destacar que Bruce canta cada vez mejor, su voz es algo fuera de este mundo, que después de años y años, millones de kilómetros volados, nada la ha mermado. Janick Gers, en mi opinión es el principal cerebro detrás de todo este trabajo con las guitarras: limpias, exactas y pulidas, los solos tocados por nota de Adrian, la explosividad de Nicko, en fin, mas que una banda.

Es sorprendente el hecho de que la banda con la que mi generación y la anterior crecimos, sigan innovando con esta calidad de trabajos. Salvo la primer canción, no hay puntos débiles grandes en este disco. Recomendable al 100

Line Up:
- Bruce Dickinson / vocales
- Dave Murray / guitarra
- Janick Gers / guitarra
- Adrian Smith / guitarra
- Steve Harris / bajo y segunda voz
- Nicko McBrain / bateria


Link: http://www.filestube.com/613e8a53ae36a00903e9/go.html

10 de Julio. Ozric Tentacles.- Jurassic Shift (1993)

OZRIC TENTACLES
Album: Jurassic Shift (1993)
Genero: Psychedelic/Space Rock
Pais: Reino Unido

Tracklist:
1. Sun Hair (5:43)
2. Stretchy (6:51)
3. Feng Shui (10:24)
4. Half Light in Thillai (5:35)
5. Jurassic Shift (11:05)
6. Petranodon (5:40)
7. Train Oasis (2:45)
8. Vita Voom (4:48)
Total: 52:51

"Jurassic Shift" fue grabado en 1992-93, por los Ozric Tentacles, a quienes escuche por ser catalogados como los nuevos Gong, y definitivamente este tiene que ser el mejor album que he oido de ellos, si bien he escuchado casi todos, por que han sido extraordinarios, este siempre ha sobresalido sobre todos y me ha hecho siempre volver, ya que no hay en la actualidad ni en esos tiempos, grupos que clamen hacer algo original o algo que no este haciendo otro grupo, excepto los Ozric Tentacles: ellos son la excepción de la regla. He tratado de pasarle a gente canciones de este disco, pero al final me quedo con todas y mejor decidi subir el disco. Este disco es una amalgama de sonidos, una fuerza sonora que se va acumulando y acumulado, evolucionando hasta explotar en algo nuevo, diferente, cual supernova holocaustica.
Al tiempo que cada canción empieza y termina, el proceso empieza de nuevo, en este disco ni siquiera sientes que hay un break entre canción y canción. Te mantienen en trance, emocionado, pensando que seguirá, volando entre sus sonidos y llevándote de viaje entre los sintes que te derriten la cabeza, las percusiones e influencias del Medio Oriente, los hyper riffs guitarreros, las flautas misteriosas y la batería trepidante, pero cuidado, por que tienes que regresar de ese viaje a la realidad.

En si, este disco reinvento para mi lo que es la Psicodelia, las rolas están bien escritas, la calidad de producción es fabulosa y la separación que se hace en los audífonos es simplemente, de otro mundo. Hay muchos sampleos y programaciones que quizá a la primera no captes, pero dale otra vuelta al disco y los escucharas! Veras a que me refiero!


Personnel:
- Ed Wynne / guitarras, koto, teclados, sampleos, atmosferas
- Joie Hinton / teclados, sampleo, atmosferas
- Merv Pepler / baterias, percusiones, babble
- John Egan / flauta, babble
- Roly Wynne / bajo
- Zia Geelani / bajo
- Generator John / pandero, pandereta
- Marcus Ethnic / percusiones


Link: http://www.mediafire.com/?yzynniddti5