28 de octubre de 2015

HARMONIUM - Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison (1975)






HARMONIUM
Album:Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison (1975)
Genero: Prog Folk
Pais: Canada

1. Vert (5:34) / 2. Dixie (3:26) / 3. Depuis L'Automne (10:25) / 4. En Pleine Face (4:51) / 5. Histoires Sans Paroles (17:12)

Seguramente has oído alguna vez hablar del Harmonio, un instrumento musical semejante al órgano. Pero es probable que nunca hayas oído sobre Harmonium, una banda de prog folk canadiense de los años 70 muy influyente en su país de origen. Su segundo disco Si On Avait Besoin D'Une Cinquième Saison en inglés significa "If We Needed A Fifth Season" y en español "Si Necesitáramos Una Quinta Estación", o más bien "Si Hubiésemos Necesitado Una Quinta Estación En El Año". Sea como sea su traducción, es una de las obras más espectaculares que el rock progresivo conoció jamás.

Sin ser un experto en este género, incluso si no eres rockero ni nada, puedes perfectamente amar este disco. Pues es una obra sumamente melódica, acústica, delicada, pulida y sobre todo, escuchable y entretenida.

El título del disco hace alusión a un concepto un tanto extraño. El año tiene cuatro estaciones (Vert, Dixie, Depuis L'Automne y En Pleine Face) más la quinta estación que los de Harmonium le agregan (Histoires Sans Paroles, en español, 'Cuentos/Historias Sin Palabras'). Las canciones más alegres son las que representan a la primavera y al verano (las dos primeras), las dos siguientes aluden al otoño y al invierno y la última es la quinta estación.

Una de las características de “Si On Avait...” es su fragilidad, parece hecho de porcelana o diamante (en otras palabras, es una joya). También es sumamente tranquilo. No hay solos de guitarra eléctrica, no hay solos de batería (bueno, casi no hay baterías).
A lo largo de los 41 minutos de duración del CD, se encargan de rodearnos de aires sumamente limpios y con muchas emociones de por medio, donde las guitarras acústicas, los pianos, clarinetes, flautas, sintetizadores, el bajo, las extraordinarias y delicadísimas performances vocales y todo lo demás se unen para crear melodías grandiosas y pasajes instrumentales que nadie debe perderse.

El principal problema que le encuentro es que de cuando en cuando, y sobre todo en las canciones más largas, los músicos pierden un poco el norte y por ende, aparecen pedazos muy atmosféricos, olvidables e inatrapantes.

La gran mayoría de los que han escuchado Si On Avait Besoin D'Ine Cinquième Saison opinan que es una obra maestra, y yo, por supuesto, digo lo mismo. Cuando lo oi por primera vez, no pude parar de escucharlo hasta que por iniciativa pensé que me haría daño.

17 de agosto de 2015

Un email que dice "Te odio"


Hace un año y cinco meses, la novia que tenía en esos tiempos y yo rompimos porque me fue infiel con quien en ese entonces era un amigo en común. Pasadas tres semanas de depresión, de llanto y de aislamiento voluntario; decidí realizar, simple y llanamente por venganza, una cruzada que poco a poco le afectaría en su vida. Algo pasivo y sin muchos esfuerzos, pero que con paciencia se lograría.

Decidí que una vez al día durante todos los días del resto de mi vida le enviaría un email con la frase "Te odio". Sin ofensas, sin aspavientos, sin palabras de más. Solo la frase "Te odio".

Pensé que, tarde o temprano, esto le afectaría, si de verdad fuera demasiado constante y jamás claudicara o me aburriera. Así que en ocasiones diferentes, envié la frase a diferentes horas del día, con diferentes tipos de fuente, de hipertextos y hasta con diferentes cuentas de correo, para que creyera que era de mi propia mano y no la obra de un programa.

La verdad no fue un inicio prometedor, mas bien patético. Me ignoró durante varios días, quizá una semana. Me los contestaba diciéndome que era inmaduro, infantil, que lo superara, que así-es-la-vida, etcétera. Después pasó a ignorarme.

Pasaron dos meses desde su respuesta, pensé que no recibía mis emails o que tenía configurada la cuenta para que llegaran directo al correo no deseado, incluso cuando creé seis cuentas de correo diferentes para enviarle con cada una de ellas al menos un correo que dijera "Te odio"; pero al día siguiente me envió una respuesta de 25 párrafos tratando, pobremente, de justificarse, y mayormente echándome la culpa por haberla "orillado" a que me fuera infiel, alegando la "frágil" (exigua mas bien) condición femenina, de como el hombre tiene que atender cada capricho por mas estúpido que sea y demás clichés que no sirven para justificar una infidelidad. Yo simplemente contesté "Te odio".

Después de esto la dinámica cambió, ella empezó a mandarme emails "Te odio" y yo se los contestaba de la misma forma. Fueron diez días así; pero ella, incapaz de ser constante en una relación, mucho menos lo sería para dedicarse de lleno a la demandante empresa de escribir un email que dijera "Te odio" diariamente, se rindió.

La situación escaló, amigos de ella empezaron a agredirme, unos por mail, otros llamaron al celular, los más ofensivos me troleaban en Twitter o Facebook, hubo uno que incluso se presentó en persona a pedirme que la dejara en paz, que cuál era mi problema. Yo respondí a todos que qué les importaba.

Pasados los tres meses amenazó con llamar a la policía. Ni me inmuté. Amenazar a alguien con la policía mexicana es como amenazar a un niño con un algodón de azúcar. Así que continué. Nada pasó.

Seis meses después, la tipa hizo lo que debió haber hecho desde el principio: cambiar de mail.

Salí con una amiga de ella, me la ligué y me soltó su nuevo email. Así, con solo una semana de descanso, los emails "Te odio" pudieron seguir siendo enviados de manera diaria. Lo cambió de nuevo y obtuvo el mismo resultado. No hay amistad entre mujeres.

Un mes más tarde me contactó, incluso iba a la casa y se presentaba en mi trabajo, con la intención de hablar, de "reconciliar", me pidió disculpas, me lloró y me dijo que "entendía el daño que me causó". Yo contesté, en su cara, como robot: "Te odio".

Siguió ignorándome, cada cambio de email suyo, me era comunicado inmediatamente y los emails "Te odio" jamás dejaron de llegar.

Hasta que pasaron cuatro meses sin saber nada de ella. Al investigar supe por antiguos amigos que estaba rara, que se aislaba, que era incapaz de salir con otras personas a pesar de ser guapa y que le presentaban nuevos hombres a cada rato. Finalmente, supe que mis emails la hacían llorar a diario.

Yo seguí en lo mío. "Te odio". Día. Tras. Día.

Anoche supe que intentó suicidarse tomándose unas pastillas que consiguió de tanto ir al psiquiatra.

Hoy ella está en el hospital, amarrada a la cama en vigilancia suicida. Es el primer día que no le mando un email que dice "Te odio".

En lugar de eso le enviaré un ramo de rosas rojas, las más grandes, sanas y hermosas.


Con una tarjeta que diga "Te odio".

27 de diciembre de 2013

13 discos de 2013

Este año escuché 100 discos que salieron del 2013. Es imposible tener tiempo para escuchar todo y a todos, pero de los cien que organicé en una carpeta hice una lista de los trece mejores para mí. En este entrada están desde el 13 hasta el 5 y en entradas separadas hacia abajo están del 4 al 1. 

13.- "Vikorg" -  Señor Loop 

 Empiezo con este excelente disco de la banda panameña Señor Loop, combinan rock, dub, con la salsa y reggae. El bajista es el mejor músico, y la voz de Rodrigo Colón es una placentera combinación entre un cantante de R&B y rock. Este disco es intrigante como la selva, a cada canción se destila la sensación de estar en medio de la misma, aunque en realidad es una alegoría a la ciudad. Por eso su mejor canción trata la fábula del mono y culebra, que podemos aplicarla en cualquier ciudad.

12.- "Black Mamba"  -   Voltar 


Banda salvadoreña de post rock que con este disco nos anuncia que en un futuro llegará a la par de los grandes del género. Las texturas y las ambientaciones son para perderse en el ambiente, pero sin perder esa chispa, esa sensación de que hay algo mas por construir, propio de las cosas hechas en Latinoamérica.

11.- "A Feast of Consequences" - Fish


El hecho de que este disco esté aquí es debido a dos cosas: la primera, a que a Derek William Dick “Fish” le tengo un gran afecto por hacer que me gustara Marillion cuando yo era pequeño y la segunda y mas importante es porque adoro las historias de supervivencia.

La carrera de Fish en solitario desde su partida de Marillion ha estado llena de altibajos, es impredecible, pero no de la forma en que se usa ese adjetivo como elogio, sino la forma de alguien que anda dando tumbos. Ahora, seis años después desde su último disco (el regular “13th Star”), aunado a un susto debido a un absceso de grasa en el cuello que lo mantuvo en los hospitales durante mas de un año bajo la sospecha de cáncer y para rematar su intenso matrimonio que terminó en meses, Fish sale de sus ceniza y nos señala su festín de consecuencias, producto de sus propias decisiones. Nos dice que sigue vivo. 

10.- "No Beggining No End"  -  José James


Es impresionante la voz del originario de Brooklyn. Cadenciosa y flexible, conocido por su adaptabilidad en el jazz, este disco lo acerca mas a sonidos que él mismo ha señalado como sus influencias. A lo largo del trabajo, uno puede cerrar los ojos e imaginarse que Marvin Gaye está cantando en ocasiones, o que hay pinceladitas de Herbie Hancock y de Thelonious Monk. Vino y relajación son necesarios para el disfrute de este disco. 

9.- "Le Sacre Du Travail"  -  The Tangent 


Disco conceptual del grupo que conforma a grandes talentos liderados por Andy Tillison, que conglomera al ex Porcupine Tree Gavin Harrison, a Guy Manning (de probado talento en solitario) y a Theo Travis (el maestro del sax y la flauta). La historia trata sobre el transcurrir de un día en la vida de un individuo común y corriente en la sociedad urbana contemporánea, gestando este concepto al modo de parodia o de alusiones macabras con “La Consagración de la Primavera” de Ígor Stravinsky. Trabajo muy cerebral y brillante que te indignará y hasta te hará reír en ocasiones. 

8.- "The Theory of Everything"  -  Ayreon


El multiaclamado multinstrumentalista holandés Arjen Anthony Lucassen volvió por sus fueros al sacar un disco para su proyecto Ayreon después de cinco años de no hacerlo, y debo confesar que al momento que leía los avances, pensé que estaría ante el mejor disco del año, quizá uno que marcara época: cuenta con la participación de las leyendas vivientes Rick Wakeman (el de las capa sagrada de Yes), Keith Emerson (el Emerson de Lake y Palmer), Steve Hackett (la guitarra de Genesis); aunado a dos que en unos diez años serán igual que ellos Jordan Rudess y John Wetton. Pero… algo pasó. Esta rock opera es un trabajo sobresaliente debido a la calidad de las personas involucradas, sin embargo, no fue lo que yo esperaba: las letras de las canciones, alejadas de la ciencia ficción y mas cercanas a un mundo mas realista) no abundan sobre el tema, solo cantan algunos versos que se repiten de forma sosa en un afán de rellenar tiempo para avanzar la historia, que dicho sea de paso, no es tan hermosa como la de “The Human Equation” de hace nueve años. El título, que prometía lo que más me apasiona en la música: letras cargadas de filosofía, falló miserablemente. Y me quedé con la sensación de que pudo hacerse más.

El álbum es sobresaliente si se quita ese detalle que menciono. Musicalmente raya en la perfección, maestros todos en su arte, vale muchísimo la pena. Hay atisbos de gaitas escocesas, violines y cellos. Las guitarras hicieron que me orillara en el tráfico de una hora pico por casi impulsarme a acelerar a límites prohibidos. Y la voz invitada de Cristina Sarabia casi me hace llorar.

Disco de contrastes que sin embargo me dejó buen sabor de boca. Las altas expectativas pueden explotarte en la cara.  

7.- "The Mountain"  -  Haken

 Tercer disco de la banda inglesa con tecladista mexicano, después de hacer que tengamos la quijada al suelo con sus anteriores dos trabajos, Haken lo vuelve a hacer y nos entrega un trabajo que puedo asegurar reinventa el género del rock progresivo, a veces dudando entre estructuras anquilosadas en los clásicos y en la modificación de estructuras socavadas por la repetición, dando la pauta a las bandas venideras.

La poderosa y sentimental voz de Ross Jennings es el arma principal de estos muchachos, que siguen sorprendiendo a los exigentes de la música como yo, además tienen otros ganchos a la quijada en su arsenal: los riffs acrobáticos en la guitarra sin ser exagerados, la batería apropiada y sin desbordarse, el bajo que parece juguetear de principio a fin, y los teclados, sintetizadores y atmosferas de mi compatriota que hacen sentir que estás en la cima de una montaña.

Si quieres algo fresco en lo que gustas escuchar, nada mejor que Haken 

6.- "The Twenty Seven Club"  -  Magenta

Magenta es una de mis bandas favoritas. Asumen sus influencias y le inyectan su esencia a sonidos familiares que todos tenemos como Pink Floyd, Yes y Genesis, no niegan la cruz de su parroquia, y lo aderezan con la voz de Christina Booth, que es un deleite para ojos y oídos. Al momento de escribir esto, Christina se encuentra luchando contra el cáncer de mama. Y este disco salió un mes antes de que se lo detectaran. Su voz suena magnífica, sin desafinarse, sin salirse de la nota y y yo espero que no sea la última vez que la escuche.

El material es un disco conceptual sobre esos músicos famosos que murieron en el cénit de su carrera al cumplir los 27: Jim Morrison, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Brian Jones, Kurt Cobain y Robert Johnson, al ponerles nombres a las canciones alusivas a ellos como “The Lizard King”, The Devil At The Crossroads” y “Ladyland Blues”, por nombrar ejemplos. Es un disco muy denso, es el mas cercano al rock progresivo de todos y por ende, difícil de digerir, tanto que necesita de un par de escuchas de principio a fin para agarrarle cariño y las referencias a los muertos, pero una vez hecho eso, se volverá muy querido para tus oídos. 

5.- "All Is One"  -  Orphaned Land

La banda de metal israelí Orphaned Land es la única cosa en el mundo que une a palestinos e israelíes en un gusto común. Peticiones tanto en línea como en la realidad de que los incluyan en los nominados para el Nóbel de la Paz llevan realizándose desde hace mas de diez años. 

La banda tiene una trayectoria de mas de 20 años, comprometidos con los conflictos de su región geográfica. 
Este disco tiene lo usual del trabajo de un grupo único en el mundo: guitarras distorsionadas perfectamente ejecutadas, instrumentos del medio Oriente que se asoman, coros yemeníes y letras de reconciliación como en “All Is One” (“Evil falls on each of us, there's nothing new / Who cares if you're a Muslim or a Jew / The awakened ones are nothing but a few / And the one to make the difference now is you”) y en “Brother” (“Brother hear my plea tonight / I grew tired from these endless years of (Our) fight / From a tiny corner stone we may build our realm of light/ Please hear me, brother...”)

Mención aparte merecen “Through Fire and Water” y “Shama’im” cantadas en hebreo, árabe y yiddish. 

4. "Cantos Para Una Diáspora" de Dora Juárez Kiczkovsky


Una diáspora es definida como la dispersión por el mundo de un pueblo que ha tenido que abandonar su lugar de procedencia originaria, que ya sea por exilio, guerras o hambre; la RAE incluso define que el término es usado especialmente para definir al pueblo judío, que siempre es pintado como el náufrago por excelencia en la historia. Esta diáspora se extendió por todo el orbe, creándose vertientes socio-culturales como los yiddish en Alemania, los sefardí en España y los ladinos en Latinoamérica; cada uno con sus propios ritos, que derivaron por ende en la creación de música para expresarse.

Por más que la ubicación geográfica y las denominaciones de los diferentes pueblos judíos eran distintos, todos coincidieron en que fueron yéndose de su tierra, y por ende, la música hecha por todas las diásporas cantan sobre la añoranza de su lugar de origen y su dolor por no volver,  siendo confundida la mayoría de ellas como canciones de amor para quienes no podemos entender dicha cultura.

La primera vez que vi a Dora cantar fue en un video de Youtube con el trío Muna Zul, quienes me maravillaron con su armonía vocal, su experimentación, su libre albedrío y por la capacidad de hacer hermosos los momentos. A mediados de este año supe que la guapa Dora sacó un disco en la compañía Tzadik Records, casa del mismísimo John Zorn, por lo que me puse a investigar sobre ella: nació en Israel, hija de padres argentinos, de descendencia polaca por parte de sus abuelos, está viviendo en la Ciudad de México, especializada en canto en la Escuela Superior de Música y en el Centro de Capacitación Cinematográfica, además de cantante, es realizadora de cortometrajes y largometrajes que se han presentado en diferentes festivales internacionales.

El disco contiene once temas con sobredosis de melancolía, revisadas para estos tiempos turbulentos (“contemporáneos” dice el eufemismo); y es difícil de explicarlo en palabras, pero se ve que la pasión que Dora  le imprime en estos menesteres que involucran a sus antepasados.

Entre las canciones que más me gustaron, fue desde la inicial “A La Una Yo Nací”, el clásico tema ladino, que desde sus primeros momentos escuchamos el lamento de la voz de Dora y podemos sentir la tierra del desierto en nuestras mejillas, la guitarra perfecta y la percusión en sintonía. Emocionante y nostálgica. “Una tarde de verano” empieza con un loop vocal, bellísimamente construido, que logra una exquisita base vocal en el viejo pero hermoso poema sefardí, que relata la historia de una joven que se veía mora, pero de España nacida. El timbre y el rango vocal de Dora en “Porqué Yorash” es impresionante.

La pieza “Tres morillas” es una hermosura: canta la historia de Axa, Fátima y Marién. Misteriosa, cantada casi en las penumbras: refleja ese temor que se le tenía (¿tiene?) a la belleza lozana de las moras en la ciudad de Jaén.

El verdadero punto álgido del disco viene con el último par de canciones, primero con “Morenica”, cantada magistralmente, uno siente que se no siente la piel de tanto que se enchina, y mas cuando te dice estos versos: “Morenica a mi me llaman / Yo blanca nací / De pasear galana / Mi color yo perdí”, que en mi mente quise imaginar las andanzas de Dora en una país como éste mi México. Finaliza con “Durme”, una dulce canción de cuna para las niñas, que poco a poco plantea el futuro de fantasía para ellas y terminar diciendo la sensata advertencia: “lo que hicites con tu padre y con tu madre a ti te lo facerán”. Mi amiga y mi hermana están por tener bebés, si salen niñas ambas, trataré de cantarles esto a manera de mi amor por ellas.


El disco se llevó algo de la vida de Dora, se ve que ella tenía que dejar algo para sus antepasados, tenía que homenejarlos y venerarlos. Lo logró. Cuando se deja el alma en trabajos como éste, siempre se tendrá el reconocimiento. 

3. "Shrine of New Generation Slaves" de Riverside


Quinto disco de la banda polaca liderada por el Adonis del prog Mariusz Duda, quien además de ser guapo, toca el bajo, canta –muy bien-  y es el único letrista. Este disco marca la pauta para que sean considerados los mejores de esta época, se ven en su elemento y no han dejado de tener una racha ganadora en la música que componen. Llenan donde van: México, Brasil, Costa Rica, toda Europa, y la mayoría siguen sin saber de quienes se tratan.

De alguna forma, en este trabajo Riverside se volvió más accesible y hasta pudiera decir que sus canciones están listas para la radio con algunas versiones radio edit, pero al mismo refinaron su calidad instrumental y compositiva, algo que ni siquiera los mas grandes han hecho.

El título del disco plantea un tema, y como tema abarca una incógnita básica, la de que es la “nueva generación de esclavos”, misma que es resuelta con mucha lógica en el primer track: “The truth is: I am a free man but I can’t enjoy my life”. La nueva generación de esclavos somos todos. Esclavos al celular, al materialismo, a las relaciones fugaces, a la religión. "We never talk when we fall apart" canta el buen Mariusz en “Deprived”.

The Depth of Self-Delusion” es un baño de sorpresa, nunca escuché a Riverside tan claro, sin tanta oscuridad, setentero; hay toques de jazz en el piano de “We got used to us” que nunca pensé escucharles.
Celebrity Touch” es un pedazo de canción, te hace menear la cabeza, headbangear y desear que esté en loop infinito mientras caminas las calles de cualquier orbe, te da vida, mientras el protagonista narra su sed de ser visto con una furia que se asemeja a la segunda etapa de rehabilitación de los adictos a algo. Incorporan plácidamente un teclado hammond a la mezcla. Es potente, completa.

“Feel Like Falling” es el contrapeso en la balanza, siendo oscura y progresiva hasta las cacha y en la que la influencia de Lunatic Soul, el proyecto en solitario de Mariusz Duda, se deja ver.


Este disco me sorprendió para bien. Riverside es de mis bandas favoritas del mundo, pero ahora me demostraron que pueden ser versátiles y seguir siendo ellos. Hay calidad en el mundo. 



2. "Eclipse de Memoria" de la Barranca.




No es un secreto que La Barranca sea para mí la mejor banda mexicana de rock de todas las que han existido en este país. Es algo que siempre he dicho. Sus guitarras resuenan de variopintas maneras: a veces son crimsonianas, a veces a lo Radiohead o a lo Hendrix, y puedo decir con toda seguridad que han respetado al rock como debe, y sus letras, aún después de 20 años de trayectoria, siguen hablando de los conflictos inherentes a ese ente extraño y contradictorio que es el mexicano: un ser definido por todos, pero resuelto por nadie.

Este disco, octavo en la carrera de la banda, surge después de un hiato decretado por José Manuel Aguilera (líder y dueño absoluto de la misma) para presentarse con su proyecto en solitario denominado Mitocondrias, en el que presentaba canciones clásicas de la Barranca y experimentó con nuevos sonidos, como las cuerdas y las marimbas. Desde el primer segundo del disco te das cuenta de la presencia de estos elementos, volviéndose gratas sorpresas en el devenir del mismo.

El tema que se trata en el disco se refiere a la oscuridad que a veces se apodera de esa cosa tan selectiva y enigmática como es la memoria humana, que hace que olvidemos cosas o que las recuperemos con más brillantez después de cierto periodo de tiempo, con su consecuente sentimiento de dolor o placer, así como la ilusión de que en realidad eso es controlado por cada uno de nosotros. Dicho espejismo es retratado el “El Alma Nunca Deja de Sentir”, primer tema del disco que marca la pauta en cuanto a la sorpresa de sonidos que nos esperaremos en este material.

Ante La Ley” es el sencillo de este disco, que se presenta con trompetas y trombones a la palestra, dándonos una letra de un alto contenido político, además de filosófica para algo tan inherente al mexicano como el hecho de que un policía lo detenga en la calle: “¿Es el bien o es el mal el que trae al oficial que te ofrece un arreglo seguro?” Simplemente magistral.

Garzas” cuenta con una guitarra acústica muy de Fairport Convention, con un ritmo cadencioso, pero que oculta unas guitarras con slider propias de una canción melancólica de post rock, y como bonus, la Ceci Toussaint está haciendo la segunda voz.

Flores de Invierno” es para mí la mejor del disco: la agonía desde el que ve a un ser querido ser devoradas sus memorias por el Alzheimer o por cualquier otra enfermedad que afecte la memoria, como el estado de coma o la amnesia. Es sublime el feeling que le imprime. La primera vez que la escuché no pude evitar notar que la voz de José Manuel ha mejorado demasiado, y que son las mejores vocales que ha grabado en toda su carrera. No desafina en una canción muy exigente para la garganta.

En Cada Movimiento” y “La Tercera Joya del Sol” demuestren ese jugueteo con las consolas y los sonidos a los que José Manuel experimentó en Mitocondrias; la primera es una canción muy erótica, como de “Princesa Bacana” de Jorge Drexler pero en versión oscura, y la segunda es una canción que le hace de continuación. La voces siguen siendo impresionantes para mí.

Campos de Batalla” parte madres, sacude las ideas: no hay nada más contundente como el hecho de que te digan que la normalidad va a regresar y con ella se van a dormir tus sueños. “Sepan que olvidar también es tener memoria” dice el Martín Fierro al final del famoso poema argentino que lleva su nombre. José Manuel y la Barranca sacan la espada y tratan de rebatir es afirmación. El águila debe volar sola.

No puede faltar en el tema de la memoria, la sensación perpetua del ser humano para que los días no se lleguen y querer detener el tiempo,  en la pieza “Siempre Joven” se refleja ese deseo, y menciono esta canción por que una persona que yo amo demasiado me dijo que quería que esta canción fuera la de sus días ante la adversidad por la que estaba pasando.

Finaliza el disco con la memorable y rulfiana “El Tiempo es Olvido” que en el título viene a resumir la fiera venganza del tiempo que hace ver desecho lo que uno edificó. El causante de la desgracia de Ozymandias. “Bajo el ojo impasible del sol el tiempo es olvido” nos dice, y después nos sentencia el inminente regreso del PRI al poder: “Y el pasado regresa vestido de porvenir”. Hasta el sol se desintegra, José Manuel.

En resumen, este es un discazo, digno de ir y volver a el, como casi todo lo hecho por la Barranca. 

He escuchado que se le define a La Barranca como “el secreto mejor guardado de México” y ante discos como éste, de mí, de nosotros depende que la banda sea más reconocida de lo que ya es. Es nuestro deber ante las cancionsotas aquí depositadas.