16 de Agosto. Verde.

Volátil verificación de inverosímiles vericuetos.

Recuento de sueños pues, para no pegarle al mamón.

Vuelo sobre vastas superficies. Aterrizo. Volteo, vigilante. Vislumbro la verdad bárbara de buena noticia: Todo es verde.

Verde de lluvia, vertiente territorio

Verde la lluvia, verde el campo, verde la madera

Verdes la colinas, los ríos, verde la escalera

Los lagos verdes, las lagunas, el resplandor verdoso de la colina

El verdeazul de la montaña, las mesetas, verdemar en sus esquinas.

Lo cerca y lo lejano, verde. 

Verde de lluvia, vertiente territorio.

Roto temblor el verde de los plátanos

Casi líquida lágrima el verde de la manzana

El de los limones, el apio, el verdinegro aguacate

Verdes tus ojos, verdosas de reptil mis manos

En un sopor verdor pasan los años.

Verde era Monterrey, desde Santa a Guadalupe.

De Anahuac a Doctor Arroyo. 

Matorrales, árboles y faunas.

Pero desperté.

Y el verde no estaba aquí.

Sí, había "verde". En los semáforos, en los señalamientos viales, en la capa de pintura de los taxis, en el color de la moneda codiciada por las huestes depredadoras del entorno. 

"Verdes" como las falsas pretensiones de empresas trasnacionales que justifican su homicidio capitalista. 

"Verde" el color de la envidia regia de no tener el mismo carro que el vecino, mejor ropa que éste, el trabajo en Cemex, Gruma o Femsa.

Verde no hay.

La Pastora se llena de amarillo de maquinaria pesada. De chalecos naranja flourescentes, el cielo se hace gris; las calles y bardas se tiñen de rojo; la Zona Rosa, los giros negros en el Districto Rojo. Blanquiazul rayado y auriazul atigrado que hipnotizan al ritmo de gol.

Pero, ¿el verde dónde está?

Mejor me voy a dormir, Freud. 

26 de Julio. Me cago en ti, Galileo

El es Galileo Galilei, italiano, matemático y cientifico que murió en la hoguera, en una muerte que yo quisiera tener si viviera en dicha época. Dijo grandes cosas como las siguientes:

El gran libro de la naturaleza está escrito en símbolos matemáticos.


Conocerse a sí mismo es el mayor saber.


Todas las verdades son fáciles de entender, una vez descubiertas. El caso es descubrirlas.


Mide lo que sea medible y haz medible lo que no lo sea


Y todas son ciertas, pero maldita sea, Galileo, me cago en ti, me cago en mi. En ti por decir eso, y en mi por seguirlas al pie de la letra. Ahora estoy enamorado de ella, y trato (traté) de llevar mi vida por simbolos matemáticos, de calcular, de hacer medible todo, de hacer estadísticas de todo. Todo es cuantificable.

Todo es cuantificable menos esto. Menos esta sensación en el pecho que no se que hacer, menos este amor, me cago en ti. Me cago en mi.

26 de Julio. Conciencia

Me fascina la fonética con la letra C, en sonidos como "ca", "que", "ke" "qui", "ki", "co", "cu". Me encanta. Y por escribí un poema con dicho sonidos. A veces carece de sentido, pero me gustó el resultado. Es bienvenida su correción...

Costosa conciencia colisionando con caparazones cuadrados.
Que se quemen en su curul los cargos encumbrados,
Los atracos consuetudinarios que decomisan los corazones
Y la capacidad de querer encontrar consuelo en canciones

Costosa conciencia congelando las comestibles caricias
Quebrándose comiendo castidades en cuartos de albricias.
Que el conde conocedor se quite su coraza acaudalada,
La culera costumbre de comunicar cagada

Costosa conciencia
No cabes en los cánones de Cupido,
Ni en la cacería loca, ni en las caricias de la concubina
Contraigo la esquizofrenia, el síndrome del malcogido
No tienes caridad con mi carencia de querencia

Se consume la cortesía, el carisma, todo es carestía
Que decomisen las carabinas, los curas de córneas contundentes
Los cadáveres que nos encarcelarían, esas constantes cacofonías
La Calamidad cabizbaja encuentra sus pecadores correspondientes

Las códices aztecas: el caldo de cultivo a cada calle
Cuauhtemoc, Cocoyoc, Quetzalcoatl, Coyoacán
Educación prehispánica, cultura cóncentrica
Calpulli, cálmecac

El caudal del conocimiento no cabe en las calles, en las calzadas
No queda en los cubículos, en las cabezas cuadradas
Constantemente me quejo, pero cultivo estas cuartetas
Incuestionablemente mejor a contar con mi circunferencia reticular cubierta

28 de Abril.- Dredg "El Cielo" 2002

La pintura puede (y debe, según algunos dedicados al oficio) estar acompañada de música, puesto que ambos son actos de creación. Este disco es uno de los mejores que he escuchado en mi vida, de cualquier género y cualquier tiempo. Es una obra maestra envolvente y muy bien hecha y, cosa rara, maquilada por estadounidenses. dredg (el nombre de la banda es en minúsculas según los mismos miembros) es una banda oriunda de un poblado llamado Los Gatos, California, formada por Gavin Hayes (Voz), Mark Engles (Guitarra), Drew Roulette (Bajo) y Dino Campanella (Bateria, Piano) y se dieron a conocer en 1999 con un disco llamado “Leitmotif” que tuvo una aceptación grande en los circuitos que ahora se conocen como “hipsters”. Todo eso cambió con este su segundo disco “El Cielo”, que obtuvo un reconocimiento prácticamente universal.

Y no es para menos, esta obra conceptual, inspirada en la pintura “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar”del maestro Salvador Dalí. Que los llevó a adentrarse en el tema plasmado en la pintura, “la paralisis de sueño”, un fenómeno profundo y alucinante. Una condición muscular producida por la atonía que una persona tiene cuando duerme, causando alucinaciones, la sensación de estar despierto y que de forma ignorante, la gente explica que “les sube el muerto”.

El tema del álbum, su objetivo, era, como ya lo expliqué, el musicalizar la pintura hecha por el maestro (si eso fuera posible), y musicalizar lo vivido en el oleo. Se lee fumadisimo y ambicioso, pero el resultado es un trabajo deslumbrante, con letras poético-crípticas abarcando temas como la vida, la angustia, la anarquía y el cambio, mientras una voz interior nos advierte que todo es un sueño del que no puede despertar.

Los temas son dieciséis y abarcan todo tipo de música y estilo, haciendo de todo esto un viaje enorme: en un segundo estás en una playa y la luz te cega, y al otro estás en lo profundo de una cueva, en el desierto africano. Rock, psicodelia, violines, oscuridad y destellos mantienen una espontaneidad y energía que agrega al sentimiento del 'sueño' que experimentamos. Así como las “pinceladas” ('Brushstrokes’, que en este disco metafóricamente representan interludios) son una técnica tan sutil y hermosa de la pintura que en su ambiguedad nos obligan a imaginar y crear en nuestra mente ese mundo soñado.
De una forma metódica e insulsa, hice una pequeña radiografía canción por canción…

-“Brushtroke: Debtfoabaaposba” abre el disco, sus extrañas iniciales obedecen al título en inglés de la referida obra realizada por Dalí. Se escucha la preparación de los utensilios de pintura y las referidas pinceladas, corta abruptamente para oír un bajo rítmico suave y la voz ultrasensorial de Gavin, que es el inicio de…

-“Same Ol’ Road”, donde el viaje comienza, y el título se refiere a esa familiar etapa donde se inicia un viaje, en este caso la pintura. La guitarra acrobática de Mark Engles, la fluidez de la batería de Dino Campanella combinados con esa letra salida del corazón que expresa el epítome y gracia de la satisfacción humana, que no es compleja: “todo lo que necesitas es una modesta casa / en un modesto barrio / En un honesto pueblo habitado por gente honesta”. Después de casi diez años de escuchar esto, me sigue dando un escalofrío en la piel…

-Y eso no es todo, pegado a ella sigue “Sanzen”, una canción cambiante, de subibajas, un viaje a diferentes sectores de la Vía Láctea. El riff que predomina es dinámico, la batería prendida, y la voz… la voz tiene un grado elevado de compromiso con las emociones desplegadas, cantando un estribillo lleno de esperanza. Es hermoso como cae y vuelve a subir. Un deleite.

-“Brushstroke: New Heart Shadow”: Es el primer interludio, y tiene una base muy pegajosa e impecable, con el toque post rockero por parte de nuestro guitarrista. Corta y al pie.

-“Triangle”: Es la mejor del disco. Su inicio ambiental me hace imaginar que la pintura se mueve, que hay atardeceres bellos, que el sol da esperanza; se convierte en una voz en el desierto, en una oda al dolor, las paradojas y al sentido que nos lleva estar viviendo en este tipo de sociedad capitalista, cantando de manera macabra, verdades irrefutables como: “No es imposible para las flores crecer y desarrollarse al lado de las tumbas / y bebés nacen en edificios donde la gente acude a morir”; ó: “Vamos a protestar la forma en que somos pasivos hoy en día”; y: “Somos como pingüinos en el desierto, ¿por qué no podemos vivir como tribus?”. En mi opinión es la mejor.

“Sorry But It’s Over”: Es una canción de mucha actitud, un razonamiento sobre mantener la cordura ante la seducción por destrucción. De nuevo la guitarra tiene un papel sobresaliente. Una canción de rock promedio.

“Convalescent”: Esta canción tiene aún mas actitud que la anterior, pero una estructura normal. El mejor detalle de esto, es que habla sobre la empatía: describe a un viejo hombre dependiente de su silla de ruedas, y después lanza que quizá uno no lo ha visto, y que pasando por eso es la única de entenderlo…

“Brushstroke: Walk in The Park”: Es nuestro segundo interludio. Una pieza instrumental de una gran belleza y oscuridad por igual. El piano y las cuerdas como estelares. A nivel metafórico, esta canción es la frontera que divide el momento entre el boceto de nuestro cuadro, y los detalles surrealistas de este. Lo siguiente será tripeante…

“Eighteen People Living in Harmony”: La voz empieza a usar efecto de forma mas notoria, el ritmo es muy movido, de esos que en vivo alentan al desmadre entre las masas, y, de una forma sutil, el cello acompaña los compases llenos de una batería furiosa. Al final de la canción está la confirmación de la frontera que ya describí.

“Scissor Lock”: Empieza el trip, la médula del álbum. Las menciones a las abejas y a “jugar como niños mientras estamos paralizados mientras dormimos” lo confirman. Un punto a notar de esta canción es que de vez en vez escuchas fragmentos de grabaciones realizadas por personas que sufrieron parálisis del sueño.

“Brushtroke: Reprise”: La sensación de deja vu que deja al escuchar de nueva cuenta el estribillo de “Same Ol´Road”, mientras, sin notarlo, se apodera de la escena una guitarra acústica que, en mi opinión, refleja que no todo en la vida se vive dos veces, la batería entra simple y sigue…

“Of The Room”: La crónica (con realismo mágico incluido) de una cena romántica en medio de una noche de bosque inclemente. La batería es perfecta, el bajo igual, ambos tocando por nota. La guitarra hace un riff continuo, esquivando olas, estrellas y nubes. Esto en vivo sería la gloria…

“An Elephant in The Delta Waves”: Una onda delta es una oscilación del rango de frecuencia que ocurre en el cerebro en las etapas del sueño profundo. ¿Ahora ves la conexión? Esta canción desentona con el resto del disco, pero no en mala forma. Es muy surrealista y te trae a la cabeza los momentos en que viste por el Animal Planet a una parvada de elefantes cruzar galantemente la sabana africana…

“It Only Took a Day” y “Whoa Is Me”, son las clásicas rolas de rock semipesado, que en vivo te ponen a modo para las estelares. La forma en que ambas se “quiebran” y “recuperan” es meritoria.

Cierra el disco “The Canyon Behind Her” ¡y qué forma de cerrar! La voz en japonés te envía lejos, combinado con ese piano para hacerte oscilar entre los dos hemisferio de tu cerebro sin que tu lo notes. La canción mas sentimental entre el sentimiento. Es épica y magistral, terminando con un una especie de coro religioso de una riqueza incalculable.

Este disco reboza de creatividad, de emociones, de vida. El concepto no era nada fácil, la obra de Dalí no es fácil, pero dredg supo canalizar esa inspiración en uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La voz de Gavin Hayes es el detalle que se lleva este disco: parece que está a punto de morir (¿o despertar?) al momento en que finalice el disco. La batería sobresale de igual forma, Campanella, sin ser un dotado, le imprime a las canciones ese “feeling” que termina por darnos en la torre. Escucha obligatoria y recomendable llorar…

Descargalo:  http://www.mediafire.com/?nkgj2yzmwww

21 de Marzo.- El Sol de Monterrey no es un periódico, es un poema de Alfonso Reyes

Sé que este poema no es mío, pero sé que ya es 21 de marzo y en Monterrey veremos demasiado el sol por estos días, así que pondré el poema del Regio Universal, Don Alfonso Reyes, que decía mi madre que yo de niño lo declamaba después de ella enseñármelo.

SOL DE MONTERREY

No cabe duda: de niño,
a mí me seguía el sol.

Andaba detrás de mí
como perrito faldero;
despeinado y dulce,
claro y amarillo:
ese sol con sueño
que sigue a los niños.

Saltaba de patio en patio,
se revolcaba en mi alcoba.
Aun creo que algunas veces
lo espantaban con la escoba.
Y a la mañana siguiente,
ya estaba otra vez conmigo,
despeinado y dulce,
claro y amarillo:
ese sol con sueño
que sigue a los niños.

(El fuego de mayo
me armó caballero:
yo era el niño andante,
y el sol, mi escudero.)

Todo el cielo era de añil;
Toda la casa, de oro.
¡Cuánto sol se me metía
por los ojos!
Mar adentro de la frente,
a donde quiera que voy,
aunque haya nubes cerradas,
¡oh cuánto me pesa el sol!
¡Oh cuánto me duele, adentro,
esa cisterna de sol
que viaja conmigo!

Yo no conocí en mi infancia
sombra, sino resolana.-
Cada ventana era sol,
cada cuarto era ventanas.

Los corredores tendían
arcos de luz por la casa.
En los árboles ardían
las ascuas de las naranjas,
y la huerta en lumbre viva
se doraba.
Los pavos reales eran
parientes del sol. La garza
empezaba a llamear
a cada paso que daba.

Y a mí el sol me desvestía,
para pegarse conmigo,
despeinado y dulce,
claro y amarillo:
ese sol con sueño
que sigue a los niños.

Cuando salí de mi casa
con mi bastón y mi hato,
le dije a mi corazón:
-¡Ya llevas sol para rato!-
Es tesoro – y no se acaba:
no se acaba – y lo gasto.
Traigo tanto sol adentro
Que ya tanto sol me cansa.-
Yo no conocí en mi infancia
Sombra, sino resolana.

16 de Marzo.- Lo que me provoca gritar: "Piedad Ciudad"

Leer o enterarme de alguna cosa de La Barranca por cualquier medio es siempre una buena noticia, y más cuando sabes que tienen nuevo disco. Es un regocijo sutil, y uno sabe que será algo de calidad, por que desde que tengo conocimiento no he encontrado una banda mexicana que tenga la calidad suficiente como para estar entre las mejores del mundo, como la liderada por el excelso guitarrista José Manuel Aguilera; y que, en una declaración temeraria y polémica (y sin alcohol de por medio), me atrevería a decir que es la mejor banda mexicana de todos los tiempos.

La historia de la agrupación se remonta desde hace quince años, cuando Federico Fong; bajista, y Alfonso André, baterista; se unieron en una banda llamada “La Sociedad de las Sirvientas Puercas”, un proyecto efímero, teatral y desmadroso, donde había coreografías, televisores, Saúl Hernández y demás amigos de la banda sentados en una mesa, jugando poker vestidos de mujer. Dicha banda solo tuvo tres presentaciones; pero gracias a ellas, Hernández los invitó a una gira de Caifanes y en el tour surgió la inquietud de tener una banda propia y empiezan a grabar sus propias canciones.

Tras una serie de desencuentros, en ires y venires, entradas y salidas de integrantes, donde la figura de Aguilera ha sido la única constante; la banda regresa con la alineación y el estilo primigenios, la vuelta a las bases. El disco, llamado “Piedad Ciudad” está plagado de riffs polifacéticos desde lo profundo de las Fender stratocaster y telecaster de Aguilera: parapsicodélicos aquí, erótico-erráticos por allá, blueseros, alucinantes, progresivos; en fin, el agasajo consuetudinario que nos deja esta banda.

Desde la portada del disco, obra del dadaísta Pedro Freidenberg, en esta obra se habla en diferentes formas sobre ese grito de clemencia que hacemos en ocasiones todos los habitantes de estas orbes mexicanas cuando nos vemos sumergidos en la dinámica fulgurante que depreda nuestra vida. Hay un viejo adagio que dice que las ciudades mexicanas no se habitan, se sufren. Llenas de surrealismo y salvajismo, en las ciudades de este país es escena común ver un ciego en una esquina pidiendo monedas tocando el saxofón, y al lado de él, un travesti hablando por celular mientras le engrasa las botas un bolero con vitíligo.

Esos sentimientos terminan por dar inspiración a una docena de temas inéditos, de una calidad alta. La inicial “En el fondo de tus sueños” es la síntesis de lo escrito en el párrafo anterior; a pesar de que en la ciudad no hay mar, a veces sabe a sal el pensamiento. “La Lengua del Alma” es una canción de amor con alusiones indirectas a Led Zeppelin: la forma en que la guitarra entra con un riff setentero en medio del compás de la batería y el bass line demuestra lo fundamental que es la métrica en las composiciones de la banda; a mitad de la canción las cuerdas hacen sonidos maravillosos con lo que uno no puede evitar recordar “Kashmir” y quedarse convencido de que es intencional la comparación que se hace.

La situación actual por la que atraviesa este país no pasa desapercibida por la sensibilidad de Aguilera, los tracks “Viento Rojo” y “Posiblemente Imposible” dan muestra de ello; la primera narrando esa ola de sangre viene cubriendo al país, como si un dios enloquecido gritara sacrificios en su honor; y la segunda con enunciados muy ciertos dentro de su letra: “Eso que llamas realidad, alguna vez también fue solo un sueño”, y las condiciones básicas para una revolución: “una chispa prenderá la pradera, arderá con un fuego inaplazable, pero la chispa tiene que ser impecable, y la pradera estar dispuesta” (Túnez, Egipto y Libia dijeron presente a eso).

La cuarta en el orden, “Indestructible” apuesta por un inicio intenso que te llena de imágenes la cabeza, y con un coro improbable en cualquier otra banda: “en las cuerdas de la Stratocaster, reverbera todo el universo…”. “Sombras Chinas” cuenta con la única secuencia programada en el álbum y la guitarra es ausente, lo que le da una tenue referencia al progresivo; “Flecha” con su oda/grito agónico del amor a distancia.

Mención aparte merece “Más Allá de la Ley”, sin duda la mejor del disco: el bajo es digno de los mejores ejecutantes, la batería no le teme a tomar el liderazgo, y la guitarra blusea riquísimo, sirviendo de “cama” a las palabras, como cuando arrojas una piedra con superficie plana al agua y hace brinquitos. Así es como debería sonar el insomnio. Magnifica sin duda.
La referencia al Distrito Federal en “Ala de Cuervo” termina por confirmarme que mi gusto por estar en esa ciudad se debe principalmente a las rolas de la Barranca: esa búsqueda del acontecimiento incierto que, en medio de la vorágine y la multitud, me llegue a inspirar como inspira a Aguilera.

Siento que éste es un discazo, todo está de diez puntos, si me es permitida usar esa expresión poco mexicana, la diferencia con los anteriores trabajos es que estos güeyes se han hecho mas intuitivos: tienen en claro cuando hay que realizar las voces con acompañamientos y cuando la voz principal sola. Esos coros y acompañamientos ultragraves, variables en modo, registro y vida son obra de Fong, que Aguilera mordazmente lo llama el “didgeridoo humano”.
Bueno, ya fue mucho rollo, solo me queda despedirme manifestando que siento que la Barranca y sus zanjas empiezan a verse con mas profundidad en esta escena mexicana, donde lo prefabricado y el choteado úsese-y-deséchese es la moneda de cambio, y que esta banda no le pide nada a nadie.

A pesar de que este trabajo es uno de los mejores, no diré que maduro (por que desde el primer disco han mostrado un nivel de tecnicismo y autenticidad mayores a cualquier otra banda de este país), sino que diré que es la vuelta a las bases, a la primigenia, mientras se actualizan y avanzan, sin ni siquiera llegar a ser el mejor disco de ellos. Simplemente escúchalo.

Link de descarga: http://www.megaupload.com/?d=HJ5Q9WQS